RIACT — Revista de Investigação Artística, Criação e Tecnologia — chamada de trabalhos

CHAMADA DE TRABALHOS ATÉ 15 DE FEVEREIRO 2022

livro “> gabinetes” de maria joão gamito e pedro saraiva

O livro “> gabinetes” de Maria João Gamito e Pedro Saraiva, da Editora Documenta, já está disponível nas livrarias.

> gabinetes foi o título da exposição com que Pedro Saraiva concluiu o projecto homónimo, iniciado em 2008 com o gabinete > linares. Manuel dos Prazeres Dias Linares (1898- 1968), António Maria Codina (1896-1954), Manuel Celestino Alves, o ‘Dr. Cambedo’, (1912-1990), Alberto Maria de Oliveira Bárcea (1908-1978), Maiga Musad (1952- 2017), Cristina Rosa Agostinho, dita a ‘Linfa’, (1912-1973), Francisco José Martins, mais conhecido por ‘Panero’, (1895-1955), António Rodrigues Carrera (1900-1948), João Gregório (1884-1964) e Pedro Saraiva (1952-) foram o álibi das obras e os nomes que, através de fragmentárias biografias, consubstanciaram os espólios, em cada exposição dados a ver sob a designação do gabinete que os identificou.

> gabinetes é também o título do livro que se oferece como abertura à possibilidade de uma dupla infinitude: a que decorre da ilimitada conveniência do mundo e a que — de natureza mais operativa — delega na pluralidade dos olhares e das leituras um regime próprio de consulta, sediado na neutralidade da ordenação alfabética em que os dicionários e as enciclopédias encerram a totalidade do que se conhece e a sua representação. É essa neutralidade que, de A a Z, orienta neste livro a chegada das palavras e das imagens. Cada palavra — que desse modo funciona como uma entrada — remete para outras palavras, pulverizando-se na hipertextualidade em que repousa a cumplicidade dos objectos e das obras no seu comprometimento com os autores e com os diversos espaços expositivos em que uns e outros fizeram a sua aparição. Também por isso, e porque não faz sentido sujeitar as coisas ao arbítrio da escala que supõe a definição de uma hierarquia, mesmo que sob a forma mais afectiva de uma preferência, todas as imagens — com excepção dos cadernos e das exposições — são reproduzidas à escala 1:10, o que faz do livro o contentor que, contido entre as fotografias da última exposição — > gabinetes —, espacializa o que continua a ver-se sob a lógica formal do modelo reduzido.

Maria João Gamito

Lançamento do livro “Silva Porto,” de Varela Aldemira

07 MARÇO > 15H30 I SOCIEDADE NACIONAL DE BELAS-ARTES

Trata-se da reedição da ed. monumental de 1953 (então no centenário do nascimento Silva Porto).

Obra de referência que marca, agora em 2020, a reedição das obras completas de Varela Aldemira. Esta reedição é uma iniciativa do CIEBA, Centro de Investigação e Estudos em Belas-Artes da Universidade de Lisboa, resultado da parceria SNBA / FBAUL, que tornou possível a exposição “500 desenhos de Silva Porto”.

É ocasião para um encontro de debate com os especialistas: a Prof. Raquel Henriques da Silva (FCSH UNova), a Prof. Isabel Sabino (CIEBA/FBAUL), o Prof. João Paulo Queiroz (Curador da exposição, CIEBA/FBAUL e SNBA), a Dra Sara Beirão (resp. pelo inventário, CIEBA/FBAUL), a Prof. Cristina Tavares (CIEBA, FBAUL), e a Prof. Elsa Garrett Pinho (DGPC e FBAUL / CIEBA).

15h30: Visita guiada à exposição “Os 500 Desenhos de Silva Porto na coleção SNBA.”

16h00: Lançamento do primeiro volume das obras completas de Varela Aldemira, o livro “Silva Porto,” (Ed. CIEBA / FBAUL), com oferta de alguns exemplares.

16h30: Debate e intervenções.

19h00: Encerramento da exposição “Os 500 Desenhos de Silva Porto na coleção SNBA.”

Luís Varela Aldemira (1895-1975) foi pintor, professor e investigador, Presidente da SNBA (1932), Vice-Secretário da Academia Nacional de Belas Artes, e eminente Professor de Pintura na então Escola Superior de Belas Artes.

Diz Isabel Sabino: “É especialmente notável essa sua ‘pintura escrita’ – termo com que ele mesmo designa a produção literária, na qual regista diálogos do real com a vida e a cultura e criação artísticas, entre a história, o quotidiano, o trabalho no ensino artístico, os relatos de testemunhos orais dos seus precedentes e as impressões pessoais.”

São títulos seus:

A Arte e a Psicanálise (1935); Um Ano Trágico – Lisboa em 1836 (1937); Terceira Missão Estética de Férias. Alcobaça Ilustrada. Um Estudo Crítico / Programa / Relatório / Catálogo e Estampas (1940); Notas Sobre a Vida e a Obra do Pintor Veloso Salgado (1940); Columbano. Ensaio Biográfico e Crítico (1941); Estudos de Arte e Crítica (1942); O Pintor El Greco (1942); Itinerário Estético – A Caminho de Roma (1943); A Pintora Josefa Greno (1951); Homens e Livros (1952); Silva Porto (1954); Memorial da Berlenga (1956); Os Dois Cristos de Columbano (1957); Henrique Pousão (1959); A Pintura na Teoria e na Prática (1961); Influências e Originalidade da Pintura (1961); A Geometria Estética de Velasquez (1962); A Paisagem nos Cursos de Pintura (1963); A Questão das Cores Complementares (1965); Estudos Complementares de Pintura (1970); Pintura Naturalista (1974).

Revista Convocarte

Christian Marclay, The Clock, 2010, video, 24 h

13 FEVEREIRO > 18H00 I AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES

Apresentação por Fernando Rosa Dias, Stefanie Franco e Leonor Veiga

 Com comunicação do filósofo Michel Guérin

Apresentação e lançamento da versão digital da revista 8 / 9 sob o tema “Arte e Tempo”   (2019)

“Que é, pois, o tempo? Quem poderá explicá-lo clara e brevemente? Quem o poderá apreender, mesmo só com o pensamento, para depois nos traduzir por palavras o seu conceito? E que assunto mais familiar e mais batido nas nossas conversas do que o tempo? Quando dele falamos, compreendemos o que dizemos. Compreendemos também o que nos dizem quando dele nos falam. O que é, por conseguinte, o tempo? Se ninguém me perguntar, eu sei; se o quiser explicar a quem me fizer a pergunta, já não sei”.

(Santo Agostinho, Confissões, Santo Agostinho, Confissões, Livro XI)

“Qu’est-ce donc que le temps ? Qui pourra l’expliquer clairement et en peu de mots ? Qui pourra, pour en parler convenablement, le saisir même par la pensée ? Cependant quel sujet plus connu, plus familier de nos conversations que le temps ? Nous le comprenons très bien quand nous en parlons ; nous comprenons de même ce que les autres nous en disent.Qu’est-ce donc que le temps ? Si personne ne me le demande, je le sais ; si je cherche à l’expliquer à celui qui m’interroge, je ne le sais plus.”

(St Augustin, Confessions, Livre XI)

Lançamento de trabalhos do próximo número 10 / 11  “Arte e Loucura” (2020)

“A loucura, longe de ser uma anomalia, é a condição normal humana. Não ter consciência dela, e ela não ser grande, é ser homem normal. Não ter consciência dela e ela ser grande, é ser louco. Ter consciência dela e ela ser pequena é ser desiludido. Ter consciência dela e ela ser grande é ser génio”

(Fernando Pessoa)

“La folie, loin d’être une anomalie, est la condition normale de l’homme. L’ignorer sans qu’elle soit grande, c’est être un homme normal. L’ignorer alors qu’elle est grande, c’est être fou. En être conscient alors qu’elle est petite, c’est être déçu. En être conscient et qu’elle soit grande, c’est être un génie.”

(Fernando Pessoa)

Apresentação e lançamento da versão impressa da revista 6 / 7 sob o tema “Ars Ludens – Arte, Jogo e Lúdico”   (2018)

“A comunicabilidade universal subjectiva do modo de representação num juízo de gosto (…) não pode ser outra coisa senão o estado de ânimo no jogo livre da faculdade da imaginação e do entendimento (…) . “

Kant, Crítica da Faculdade do Juízo. Analítica do belo. §9

“La propriété subjective qu’a le mode de représen­tation propre au jugement de goût de pouvoir être universellement partagé (…), ne peut donc être autre chose que l’état de l’esprit dans le libre jeu de l’imagi­nation et de l’entendement (…).”

Kant, Critique de la faculté de juger. Analytique du beau. §9

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convocarte@belasartes.ulisboa.pt

As revistas CONVOCARTE editadas estão disponíveis na loja online. 

o dia é meu amante < chama | ficção

5 e 6 JULHO > 18H – 21H I CISTERNA BELAS-ARTES

A CHAMA | FICÇÃO < Ana Mata e Catarina Domingues < apresenta a vídeo-instalação O dia é meu amante. Nesta, a Cisterna recebe, em diversas projecções, a fluência das imagens, das palavras e do som, com um solo de Ricardo Ribeiro.

Simultaneamente dá-se o lançamento de O dia é meu amante, livro em risografia.

Acerca do amor enquanto vida secreta, separada, o projecto de edição livre CHAMA | FICÇÃO gera-se na consciência da realidade da fantasia, questionando os seus limites. Inaugura um lugar de ousadia e alegria, onde a sedução do olhar se liberta, um lugar onde se chama desejando ser visto e vivo através do outro.

Numa prática diária de endereçamento – pela evocação da palavra, da voz e da imagem, lançada num registo amoroso de chamada – a demanda é apelante:

diz-me a palavra que toca, prolongamento do corpo.                                                   

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convocarte

09 ABRIL > 18H30 I AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES 

No dia 9 de abril de 2019, pelas 18h30, realiza-se no Auditório Lagoa Henriques da FBAUL uma sessão especial de apresentação e lançamento dos trabalhos da Convocarte – Revista de Ciências da Arte, com a seguinte ordem:

• Lançamento do nº 6 e do nº 7 sobre Ars Ludens – com apresentação em vídeo de Pascal Krajewski
• Apresentação da versão Impressa do nº 4 e do nº 5 dedicados a Arte e Activismo Político – com Cristina Cruzeiro
• Apresentação do próximo dossier temático do nº 8 e do nº 9 sobre Arte e Tempo – com Leonor Veiga
• Apresentação geral e moderação de Fernando Rosa Dias

http://convocarte.belasartes.ulisboa.pt/

lançamento da revista arteteoria nº1/ll série

05 DEZEMBRO > 18H30 I LINHA DE SOMBRA LIVRARIA, CINEMATECA

Com este número duplo, correspondente aos números 18/19, a revista Arteteoria inicia a sua II Série. Fundada no ano 2000, em articulação com o mestrado de Teorias da Arte da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, e sob a direcção do Professor Catedrático José Fernandes Pereira (1953-2012), foi dirigida, entre 2009 e 2017, pela Profª. Doutora Maria João Ortigão e pelo Prof. Doutor Eduardo Duarte. A partir do caminho percorrido, a revista Arteteoria procura hoje a sua acreditação junto dos repertórios de investigação, tendo procedido, para o efeito, à constituição de um Conselho Científico, à revisão duplamente cega por pares (double blind peer review), e à adopção das normas recomendadas de edição e publicação, tendo em vista a sua indexação em bases de dados internacionais.

Neste número alargámos também o âmbito da revista ao Brasil, seja em termos de co-direcção seja em termos de colaboradores, iniciando um desejável e progressivo processo de internacionalização, que pretende incorporar colaborações de outros países da Europa e da América. Em termos de estrutura, e para além da consagração da figura do Editor, externo à Direcção, a revista divide-se em duas partes: um corpo principal, que recolhe os artigos respeitantes ao tema, ou dossier, seleccionados para cada número, e uma segunda parte, intitulada Notas de Investigação, onde se promovem, divulgam, e incentivam os trabalhos de investigadores mais jovens, no âmbito de mestrados, doutoramentos e pós-doutoramentos, vinculados ao CIEBA (Centro de Investigação e de Estudos em Belas-Artes), ou a outros centros e institutos de investigação.

Aproveitando o centenário, ocorrido em 2017, da Revolução Russa de Outubro de 1917, constituiu-se ensejo da Direcção celebrar a efeméride, e particularmente o surgimento das vanguardas que anteciparam a revolução política, e nela se desenvolveram, sem esquecer, naturalmente, o cerceamento a que foram mais tarde sujeitas pelas opções estéticas e programáticas do regime então implantado, pese embora as implicações que uma outra noção de realismo, proposta pelos vanguardistas russos, acabaria por ter na arte da posteriormente constituída União das Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS), mas também da Europa e do continente americano. Ainda assim, e tendo em conta o carácter disseminado das vanguardas, as propostas, entre outras, do futurismo, do construtivismo, do suprematismo e do formalismo russos, frutificaram muito para além das fronteiras onde surgiram, reconfigurando a arte ocidental, e não só, sendo que os seus efeitos ainda ecoam na arte contemporânea, seja pela sua sedimentação lenta, ou pela reavaliação que as neovanguardas fizeram desse legado. Para além das propostas estéticas propriamente ditas, e da pioneira noção de arte como praxis social, no quadro referencial das aspirações programáticas e ideológicas dos artistas na época, o reconhecimento do valor da criatividade humana, em termos vivenciais e ontológicos, não deixa de constituir, ainda hoje, motivo de uma profunda reflexão.

Num tempo, como o nosso, em que também a arte, a braços com o multiculturalismo estreito que o processo de globalização implantou, se vê convertida muitas vezes numa “marca”, mercadoria e “commodity” — e em que até a resistência política inerente ao acto criativo é frequentemente parodiada, ou rapidamente absorvida pelos fluxos das novas tendências estéticas, políticas e sociais, do chamado pós-capitalismo —, o espírito que animou a produção artística russa nas duas primeiras décadas do século XX é ainda hoje louvável exemplo de explosão criativa, pese embora a referida instrumentalização que o poder político fez dessa mesma produção, atenuando, ou extinguindo, na maioria das vezes, o contributo fecundo de artistas que encaravam a arte como uma outra possibilidade de regenerar a sociedade, através de um outro modo de ver, viver, e relacionar-se com o mundo.

O confronto dos valores da arte, na sua ontogénese, com os valores de mercado tem implicado frequentemente uma hegemonia dos segundos sobre os primeiros, ambos se confundindo, por vezes, numa voragem que alterou o próprio sistema da arte, como fora conhecido desde, pelo menos, o romantismo até às últimas décadas. Sem prejuízo do lícito valor de mercado, o valor da arte, assim como o valor da experiência estética — desde a fruição à própria possibilidade de afirmação de uma identidade individual e colectiva, construída a partir do mundo, ou mundos, possibilitados pela abertura da obra de arte —, são hoje motivo também de profunda reflexão. A necessidade desta reflexão, que tem surgido, com frequência, de modo tangencial, é tanto mais urgente quanto os valores de mercado se transformaram em valores absolutos da vida contemporânea; na verdade, há hoje escassos indícios de uma verdadeira e fundamentada crítica ao conflito entre os valores ontogenéticos da obra de arte e os valores de mercado, sendo que, quando essa crítica aflora, e dada a actual e cínica base alargada de consenso, rapidamente cai na suspeita de romântica ou marxista, procurando-se, de um modo não raras vezes frágil, do ponto de vista argumentativo, descredibilizá-la à partida.

Na verdade, a partir da experiência estética, a arte constitui-se abertura para um horizonte histórico, não enquanto conjunto ou soma de factos passados, mas possibilidade efectiva de um destino, já que, no modo compreensivo da obra de arte, se pode figurar, e refigurar, uma existência mais livre e, consequentemente, mais fraterna, transcendendo, em parte, as fronteiras do fenómeno designado por Arthur Danto de “mundo da arte”. Da exortação e do acolhimento iniciais à experimentação e ao imprevisto, que largamente caracterizaram as vanguardas russas, ficou consagrado o princípio de que o que se vê através da obra de arte se vê melhor, dada a sua natureza pluridimensional e aberta, através da qual cada ser humano pode construir e exercer uma subjectividade autêntica enquanto fundamento da própria existência. Neste contexto, o número duplo que agora apresentamos procurou, tanto quanto possível, problematizar e reflectir, dentro dos diversos paradigmas de investigação em arte, não apenas as diversas práticas e expressões artísticas (do cinema à pintura, da escultura à arquitectura, à curadoria, à educação artística, e à denominada arte pública), mas, também, a relação do então promissor papel emancipado da mulher com as revoluções estética e política russas.

É neste sentido que Alexei Bueno apresenta cerca de trinta filmes, realizados entre 1924 e 1948, e em cuja análise reflecte os aspectos da estética fílmica, o seu contexto histórico e ideológico, e a sua influência no Brasil em particular. De Helena de Freitas, reconhecida comissária e investigadora, e sob o fundo das duas últimas grandes exposições dedicadas pela Fundação Gulbenkian a Amadeo de Sousa-Cardoso, em Lisboa e Paris, publicamos o texto inédito de uma conferência, na qual retoma a biografia e a complexidade das possíveis relações da pintura do artista portugês com a arte russa, relações que poderão ter mitigado na sua obra a influência das vanguardas oriundas de França. Daniela Kern parte também do legado da revolução russa, e da acção pedagógica de Max Raphael no domínio da educação artística, para sublinhar a dimensão social da arte, dentro de uma nova proposta ideológica. Sandra Makoviecky e Luana Wedekin problematizam as novas concepções expográficas da arte pública, resultantes de outro entendimento da relação política do ser humano com a obra de arte, não deixando de reflectir acerca desse outro devir da arte em direcção ao cidadão no espaço público, a partir do confronto das novas estratégias curatoriais subjacentes às exposições “Rosa Azul” e à última exposição futurista “0.10”.

Afonso Medeiros reitera a necessidade de estudar a precedência das revoluções artísticas face à revolução política na Rússia no início do novecentismo; por outro lado, propõe-se analisar “o princípio ideogramático” como modus operandi das vanguardas e das neovanguardas, tanto pelos artistas russos como pelos poetas concretistas brasileiros, num espaço de criação artística que se estende dos Estados Unidos ao Japão. Paulo Simões Nunes estuda a articulação entre a tentativa de construção de uma nova sociedade, saída da revolução russa de Outubro, e o papel da arquitectura construtivista na edificação dessa mesma sociedade, a partir de uma nova reflexão sobre o realismo. A revolução tipográfica, lograda pelas vanguardas russas, a partir do eixo Moscovo-Berlim, é objecto da reflexão de Jorge dos Reis, na qual propõe uma “topografia da tipografia”, assumindo como marco histórico a obra teórica de Jan Tschichold.

Das relações entre as dinâmicas sociais e a escultura, no âmbito das vanguardas russas, ocupa-se João Castro Silva, assumindo como linha da investigação desse processo a “objectivação” da arte, e a progressiva partidarização da cultura, proposta por Lenine. Uma possível cartografia do percurso feminino no construtivismo russo é apresentada pela investigadora Joana Tomé, a partir das produções artísticas de Popova, Ekster e Stepanova, e nela analisa e situa o papel da mulher artista no próprio processo das vanguardas e da revolução política, concluindo que, à tentativa de emancipação efectiva da mulher artista, rapidamente se colocaram diversos obstáculos, legitimados por uma ideologia de Estado que teimou em manter uma hegemonia patriarcal. Perante as propostas estéticas e políticas soviéticas, Carlos Vidal faz a análise das contradições e afinidades do próprio conceito de vanguarda, na conexação com os realismos, e propõe, em simultâneo, uma leitura desses mesmos realismos, que se estenderam à Europa, aos Estados Unidos e ao México, como consequência da “porta aberta” pelas referidas vanguardas.

Na secção Notas de Investigação, publicamos um artigo acerca da pintura de Ana Mata, do cineasta e professor Eduardo Geada, uma apresentação documentada do Acervo de Fotografia da FBAUL, da autoria de Priscila Machado, com nota introdutória de Luísa Arruda, e uma síntese retrospectiva dos cem anos das vanguardas russas, da autoria da professora e investigadora Isabel Nogueira. Por fim, Leonor Reis, aluna do Mestrado de Crítica, Curadoria e Teorias da Arte, da FBAUL, faz uma introdução à dimensão estética no pensamento de Emmanuel Levinas.

Fiel ao seu espírito inaugural, a revista Arteteoria abre-se agora às questões de um mundo globalizado, buscando o equilíbrio entre o trabalho consolidado de investigadores experientes e as novas propostas de jovens pesquisadores no domínio da investigação em arte.

Uma última nota de agradecimento é devida a todas as pessoas que contribuíram para este número duplo da revista Arteteoria, mas também ao CIEBA, à Presidência da FBAUL, e ao El Corte Inglés, Grandes Armazéns, nas pessoas do Prof. Doutor João Paulo Queiroz, Prof. Doutor Vítor dos Reis, e da Doutora Susana Santos, respectivamente, pelo apoio institucional.   

José Carlos Pereira

António Vargas

          Fiel ao seu espírito inaugural, a revista Arteteoria abre-se agora às questões de um mundo globalizado, buscando o equilíbrio entre o trabalho consolidado de investigadores experientes e as novas propostas de jovens pesquisadores no domínio da investigação em arte.

          Uma última nota de agradecimento é devida a todas as pessoas que contribuíram para este número duplo da revista Arteteoria, mas também ao CIEBA, à Presidência da FBAUL, e ao El Corte Inglés, Grandes Armazéns, nas pessoas do Prof. Doutor João Paulo Queiróz, Prof. Doutor Vítor dos Reis, e da Doutora Susana Santos, respectivamente, pelo apoio institucional.   

lançamento do livro “o convento de s. francisco da cidade”

MIGRAÇÕES — processos migratórios e práticas artísticas em tempos de guerra: do século xx à atualidade

LANÇAMENTO E APRESENTAÇÃO 21 JUNHO > 18H I FUNDAÇÃO JOSÉ SARAMAGO

Migrações – Processos migratórios e práticas artísticas em tempo de guerra: do século XX à actualidade, coordenado por Cristina Pratas Cruzeiro, reúne textos de investigadores especialistas, nacionais e estrangeiros, sobre uma matéria de grande actualidade, incidindo sobre os processos migratórios a partir das artes. Esta é uma publicação do Centro de Investigação e de Estudos em Belas-Artes – CIEBA (Grupo de Investigação e de Estudos em Ciências da Arte e do Património — Francisco de Holanda) da Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa (FBAUL).

crossing borders, shifting boundaries: city

 30 MAIO > 18H30 I AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES

LANÇAMENTO E APRESENTAÇÃO DO 5º NÚMERO DA PUBLICAÇÃO SCOPIO MAGAZINE ” CROSSING BORDERS, SHIFTING BOUNDARIES: CITY ”

A apresentação da sessão estará a cargo de Vítor dos Reis, Presidente da Faculdade de Belas-Artes de Lisboa que mediará uma conversa em torno do tema Fotografia, Arquitectura e Arte, contando com a presença de Susana Ventura (Ed. scopio Magazine), Paulo Catrica (Fotógrafo e autor convidado scopio Magazine), Pedro Leão Neto (Coord. Edições scopio) e de Rogério Paulo Taveira (FBAUL).

 Entrada livre (sujeita à lotação da sala).

Programa sujeito a alterações (sem aviso prévio).

Este evento é passível de ser registado e posteriormente divulgado nos meios de comunicação da instituição através de fotografia e vídeo.

AUTORES

Sobre a publicação

A scopio Magazine, uma publicação periódica anual cuja responsabilidade editorial é do grupo de investigação CCRE pertencente ao Centro de Estudos de Arquitecura e Urbanismo (CEAU) da FAUP, é o suporte de divulgação e investigação ligado em termos gerais à Arquitectura, Arte e Imagem (AAI) e, em termos específicos, à Fotografia Documental e Artística relacionada com Arquitectura, Cidade e Território. A publicação desenvolve-se através de ciclos temáticos e tem como propósito divulgar diversos autores e trabalhos na área da Fotografia Documental e Artística que de alguma forma promovam uma reflexão sobre o contributo das imagens na compreensão da realidade e na construção de imaginários, entre o documento e a ficção, entre a reprodução e a manipulação, entre o analógico e o digital.  O universo da Arquitectura é, assim, entendido de uma forma abrangente como uma prática e disciplina capaz de integrar os domínios sócio – económico, político, histórico e técnico. Por outro lado, interessam-nos trabalhos onde a imagem fotográfica é principalmente utilizada como um instrumento de investigação que permite descobrir novas perspectivas sobre a arquitectura e suas vivências.   A scopio Magazine serve também para o envolvimento de sectores académicos, culturais e sociais em concepções e práticas dotadas de poder de inovação relativas à cidade, nas suas múltiplas vertentes, com especial destaque para as que utilizam a fotografia e a imagem como instrumentos críticos do território. Crossing Borders e Shifting Boundaries, Cidade é o tema principal e categoria do ciclo atual da scopio Magazine que focaliza o seu interesse em países diversos, questionando como é que a arquitetura se transforma, como reflete diferentes identidades culturais híbridas em muitos países e como tudo isso interage e afeta as nossas cidades e paisagem, considerando as categorias mencionadas: Arquitetura , Cidade e Território. 

scopio Editions

O universo de interesse da scopio Editons é, em termos gerais, o da Arquitectura, Arte e Imagem (AAI) e, em termos específicos, o da Fotografia Documental e Artística relacionada com Arquitectura, Cidade e Território.  Neste contexto, a Arquitectura é entendida de uma forma abrangente como uma prática e disciplina capaz de integrar os domínios social, económico, político, histórico e técnico.  A scopio Editions tem uma linha editorial com uma estrutura dinâmica constituída por publicações periódicas e não periódicas com o objectivo de difundir diversos trabalhos e autores que utilizam ou investigam o universo da Arquitectura, Arte e Imagem de uma forma critica, exploratória e inovadora, com especial incidência na Fotografia Documental e Artística, relacionada com Arquitectura, Cidade e Território.