nossa terra nossa gente nossa luta, Visualidades Camponesas no Assentamento Zumbi dos Palmares

01 > 29 AGOSTO 2024 I CORREDOR AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES

Inaugura no dia 1 de agosto, às 16h00, no corredor do Auditório Lagoa Henriques, a exposição NOSSA TERRA NOSSA GENTE NOSSA LUTA, Visualidades Camponesas no Assentamento Zumbi dos Palmares, exposição de Leandro Souza a convite de Fábian Cevallos Vivar, com curadoria de Viviane Ramiro e Flávio Tonnetti. 

A exposição apresenta um conjunto de imagens criadas por moradores e agentes que atuam no assentamento Zumbi dos Palmares, localizado na região norte do estado do Rio de Janeiro, Brasil. A partir da questão: “Se o assentamento fosse uma imagem, qual imagem seria?”, as imagens compõem descobertas visuais junto aos assentados da reforma agrária no contexto da pesquisa de doutorado do artista-professor-pesquisador Leandro Souza. A ocupação das terras da Usina São João, em 12 de abril de 1997, evidencia um espaço de resistência e produção da vida através do trabalho, do estudo e da cultura. Assim, a mostra inspira olhares sobre o território conquistado a parir da luta pelo direito constitucional à terra e empreendida pelo Movimento de Trabalhadores Sem Terra (MST).

ORGANIZAÇÃO
Leandro Souza, doutorando pelo Programa de Pós-graduação em Ciências, Tecnologias e Inclusão, da Universidade Fluminense, investigador convidado (Bolsa PDSE/CAPES/2024) naFaculdade de Belas-Artes/ULisboa, mestre em Artes Visuais pela UERJ, artista-professor-pesquisador e Docente no Departamento de Artes Visuais do Colégio Pedro II – RJ.

CURADORIA
Viviane Ramiro, Doutora em Políticas Sociais pela UENF, Educadora e Agente da Comissão Pastoral da Terra (CPT).
Flávio Tonnetti, Professor do Centro de Ciências Humanas, Letras e Artes da Universidade Federal de Viçosa (UFV).

Horário: 
2ª a 6ª – 11h00/17h00
sábado – 11h00/15h30

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Marta Strambi: insurgência autobiográfica

Marta Strambi, Infrutescência, 2019

02 > 22 AGOSTO 2024 I GALERIA BELAS-ARTES

Inaugura no dia 2 de agosto, às 14h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes a exposição Marta Strambi: insurgência autobiográfica.

Curadoria de Luís Jorge Gonçalves.

Horário: 
2ª a 6ª – 11h00/17h00
sábado – 11h00/15h30

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Marta Strambi é Artista Visual. Pós-Doc, ESE, Porto, Portugal. Doutora em Artes, ECA, USP, São Paulo, Brasil. Mestre em Artes, IA, Unicamp, Campinas, Brasil. Especialista em Educação, FE, Unicamp, Campinas. Licenciada em Educação Artística com habilitação em Artes Plásticas, PUC de Campinas, Brasil. Aperfeiçoamento e habilitação Plena em Música e em Piano, Conservatório Carlos Gomes, Ribeirão Preto, Brasil.

Tem um largo percurso académico, na lecionação, orientações de teses e dissertações, participação em júris e numerosos artigos publicados. A sua obra artística já esteve presente em mais de 250 exposições em várias cidades do Brasil e em diferentes países, onde se inclui Portugal, Espanha, França, Países Baixos, entre outros países.

O trabalho de Marta Strambi une a investigação, com diferentes materiais, à reflexão sobre o estado do mundo. Desta união surgem formas que nos fazem refletir sobre o nosso quotidiano. Nas palavras de Mauricius Farina:

“As experiências de Marta Strambi como artista são articuladas a partir de argumentos críticos motivados pela vivência, para ela, prosseguir trabalhando é constantemente desafiar sua relação com a facilidade da vida e das formas prontas, com o esquema. Há uma motivação crítica que lhe impulsiona na constante experiência e na realidade cercada por uma fragilidade onde as opressões se manifestam. Seu trabalho, ao tratar dos modos de resistência, do vazio, da origem, da vida social em desequilíbrio, do veneno e do contraveneno, nos convida a refletir sobre uma resiliência necessária para sobreviver às emergências que acontecem na vida como uma constante distopia.” (A via das máscaras: as artes. Congresso no CSO 2021. Lisboa: Sociedade Nacional de Belas, 1104-1106)               

Na sua proposta de exposição Marta Strambi propõe trazer díspares matérias, com distintas funcionalidades. Nada surge do acaso. Manifesta as suas preocupações com as nossas vidas. Estamos constantemente a usar e abusar de materiais para os quais não damos importância, como os saquinhos de chá e as caixas de medicamentos, que resultam de uma tecnologia, que rodeia as nossas vidas. São banais para nós. No entanto, exigiram investigação, tecnologia, vários tipos de matérias-primas e muita energia para a sua produção. No final, utilizamos por breves segundos e tornam-se lixo.

A exposição Marta Strambi: insurgência autobiográfica, faz-nos refletir sobre as preocupações pessoais da artista, que devem ser as inquietações existenciais da nossa espécie. Estamos num momento, da nossa passagem pelo planeta Terra, que nos deve afligir a todos. Uma caixa de medicamentos, ou uns saquinhos de chá simbolizam a nossa incapacidade de realizarmos leituras integrais da realidade. Cada um se fecha no seu cosmos e responde unicamente à sua visão de mundo.

Esta exposição é uma chamada da atenção para os nossos problemas existenciais, que começam no quotidiano de cada um. Há uma mensagem sobre a sustentabilidade necessária. O planeta não suporta um crescimento constante. Há um limite. Deixamos neste processo o desperdício, que Marta Strambi chama a atenção com as suas imagens.

Tudo parte do nosso cérebro, a essência do nosso ser. Por isso Marta Strambi nos coloca perante o cérebro. Com as suas imagens podemos olhar para esse órgão ainda muito desconhecido para nós, mas que nos mantém vivos, em cada fração de segundo da nossa existência. Olhar para o cérebro humano é sempre um mistério, é vislumbrar o desconhecido. Torna-se indispensável olhar para exposição Marta Strambi: insurgência autobiográfica, como um manifesto necessário sobre as nossas atitudes.

Luís Jorge Gonçalves

Marta Strambi: insurgência autobiográfica

A exposição Marta Strambi: insurgência autobiográfica”tem um caráter retrospetivo. Está relacionada com aspetos autobiográficos na minha produção e será composta por objetos em grés, instalações, animação digital a partir de uma nanoarte e de imagens digitais, de bioartes (materialidades construídas a partir desse procedimento) e de uma videoarte.

As travessias que percorremos conduzem-nos aos nossos desígnios, sejam pelos aspetos mais insurgentes, correspondentes à realidade da vida, como na duvidosa obrigatoriedade do uso de medicamentos com ação de ingestão diária, ideia contida na obra Campo de forças que nos ajuda a reconhecer o sentido de si como motivo poético.

Também há que se recuperar aspetos de nossas memórias, projetando nessa exposição como nas obras Subjaz ao Cru (uma chuteira de futebol) e Vulnerável, um gravador contendo fitas cassetes, simulando fricções nos limites entre arte e vida. Essa inseparabilidade do autobiográfico, que ao simular ficções pode estar na compreensão dos limites desse território ou na sua contramão, onde um contém o outro e vice-versa também se insinua em outros lugares. Ao reaver os desejos de uma feminilidade, projetados em corpos políticos matéricos, como nas obras Robus, Molotove-me, Pronta Entrega e Pronta Entrega com Gordura, que se expõem em fragmentos, nos permite revisitar vivências e perceber o mundo através do nosso corpo, reaprendendo com ele.

Memory in Connection é tomada por uma tensão autobiográfica, conexão entre topologias: nano do ouro com uma imagem do cérebro, unidos em uma animação digital. As bioartes se posicionam, também sob o domínio da busca, de apreender resultados e curas, através de remédios e suas bulas, compondo trajetos que se mesclam na biocoisa, a matéria fundante. Similarmente, à Infrutescência faz a ação da cura pela reza, com um cacho de corpos de porcelana e tecido, composta de limões/seios e sementes naturais de laranja, fazendo às vezes de um terço.

Enfim, aqui se mesclam processos autobiográficos, tanto do espírito de uma realidade tensa, como de ficções que se dão no calor da hora, como traz a memória de um campo em questão, projeções de uma trajetória na arte. 

Marta Strambi

cavaleiros do tempo — exposição de hannah

09 > 29 JULHO 2024 I GALERIA BELAS-ARTES

Inaugura no dia 9 de julho, às 18h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes a exposição Cavaleiros do Tempo de Ana Maria Costa Alves (Hannah). A exposição ficará patente até 29 de julho.

Horário: 2ª a sábado – 11h00/ 19h00.

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Como uma obra literária convertida numa série pictórica e metafórica, Cavaleiros do Tempo, baseia-se na poética da Língua Portuguesa, que atribui múltiplos significados à palavra – Tempo.

Existindo, sem ser palpável, ora cronológico, ora atmosférico, igualmente musical, repleto de movimentos e acontecimentos, o Tempo traspassa-nos!

Resume a existência Humana, pelos segundos, minutos e horas, em décadas longas ou curtas…

…onde a Humanidade acontece e produz.

Tempo,
nós o contemplamos,
nós o apressamos,
nós o valorizamos,
nós o possuímos,
nós o partilhamos
e nós o perdemos.

Somos Cavaleiros do Tempo!”

espécimen 0 — exposição de ana franco neto

05 > 26 JUNHO 2024 I CISTERNA BELAS-ARTES

Inaugura a dia 5 de junho, às 13h00, na Cisterna da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, a exposição individual Espécimen 0 da mestranda em Pintura Ana Franco Neto.

A exposição ficará patente até dia 26 de junho.

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Horário: de 2ª a 6ª entre as 11h00 e as 16h00.

Espécimen 0 é uma obra instalativa cerâmica que toca em diversos elementos do mundo artístico. 

É apresentada através de uma narrativa que envolve um ser que cria e alguém que o observa e estuda diariamente.
Consequentemente, a relação entre os dois personagens irá evoluir durante o período expositivo

Traz outro amigo também_ exposição de Maria João Barcelos

3 > 15 JUNHO 2024 | GALERIA DA FACULDADE DE BELAS-ARTES

Inaugura no próximo dia 3 de junho, pelas 17h30, na Galeria da FBAUL, a exposição Traz outro amigo também, de Maria João Barcelos, integrada no projecto Chiado, Carmo, Paris. Os Caminhos de Salgueiro Maia.

A exposição pode ser visitada até dia 15 de junho e tem a curadoria de José Quaresma.

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Horário: 2ª a sáb. -11h00/19h00

A “travessia” desta obra de Maria João Barcelos, “Traz outro amigo também”, numa clara alusão à canção de José Afonso, projecta-nos para a contemplação da face de Salgueiro Maia, mas também nos convida a imergir numa multidão de rostos anónimos. Caras que simbolizam uma vasta comunidade que se ergue, que se mostra, que se faz escutar, que tem, afinal, “rompedores” como o “nosso” Capitão Salgueiro Maia, e ainda, José Afonso, ambos sujeitos da “História Universal”, como diria Hegel, ou seja, que têm diversas características em comum, nomeadamente a mundivisão libertadora, a coragem física e moral, a extrema competência dos seus actos e desafios.

“Os grandes indivíduos na história universal são, os que apreendem este universal superior e o convertem em fim seu; são os que realizam o fim conforme ao conceito superior do espírito. Devem, nesta medida, chamar-se heróis. Não vão buscar o seu fim e a sua missão ao sistema tranquilo e ordenado, ao decurso consagrado das coisas. A sua justificação não reside na situação existente, mas vão buscá-la a uma outra fonte. Esta é o espírito oculto, que bate à porta do presente, o espírito ainda subterrâneo [...] o espírito para o qual o mundo presente é apenas uma casca que contém em si um outro cerne, diferente do cerne a que pertence.” (Hegel, A Razão na História. Introdução à Filosofia da História Universal).

A instalação gráfica e têxtil aqui apresentada faz a transfiguração artística deste cerne, deste sentimento de comunidade emergente e imparável (que oscila sempre entre dissentimento e “voz universal”). O trabalho de Maria João Barcelos torna ainda pertinente e actual a “ideia” hegeliana que aproxima um Povo de um determinado agenciamento individual (raro, também heróico), proporcionando-nos imagens tocantes e criativas de mulheres e homens cuja vontade anseia por escolhas livres, autónomas, neste caso específico, através de um pulsar artisticamente reconfigurado em múltiplos rostos que se entrecruzam com o rosto de Maia.

A artista plástica Maria João Barcelos foi convidada a realizar esta exposição por ter desenvolvido um vasto conjunto de estudos e obras (bidimensionais e tridimensionais), com diversas tecnologias e linguagens, sendo esta instalação uma síntese da qualidade do seu trabalho artístico e devoção aos temas do projecto dedicado a Salgueiro Maia.

José Quaresma
25 de maio, 2024

arte no feminino — 10 anos 10 artistas

08 MARÇO > 31 MAIO 2024 I REITORIA DA UNIVERSIDADE DE LISBOA

Inaugura no dia 8 de março, pelas 18h00, na Reitoria da Universidade de Lisboa a exposição Arte no Feminino — 10 anos 10 artistas. A exposição ficará patente até 31 de maio de 2024. Esta exposição é uma das muitas iniciativas que integram o programa de comemorações dos 10 anos da ULisboa.

Horário: 2.ª a 6ª-feira, das 10h às 18h.

Ana Bonifácio
Ana Lima Neto
Ana Margarida Matos
Ângela Ferreira
Isabel Sabino
Mariana Castro
Marta Soares
Paula Rego
Vanessa Barragão
Virgínia Fróis

“Celebramos os 10 anos da Fusão! Celebramos a Mulher!
A presença das mulheres nas artes plásticas tem uma história longa, rica, diversificada e de crescente afirmação societal, embora muitas vezes tenham enfrentado desafios e discriminações diversas ao longo do tempo.

O principal pretexto para realização de uma exposição mobilizadora de artistas femininas surgiu, naturalmente, associado à celebração do Dia Internacional das Mulheres, dia 8 de março, instituído em 1975, pelas Nações Unidas, para evocar e celebrar os direitos e conquistas da Mulher e o seu papel ativo e fundamental na História e na Sociedade.

Tendo em vista a seleção das 10 artistas, assumiram-se diversos pressupostos: terem, em algum momento da sua vida, ligação com a ULisboa ou universidades precedentes (estudantes, professoras/investigadoras ou técnicas), e se possível com alguma diversidade de unidades orgânicas, para assim fazer jus à ideia da Fusão; cobrirem diferentes manifestações das artes plásticas; e a coexistência de artistas mais experientes e consagradas com artistas mais jovens e emergentes.”

José Manuel Simões
Comissário para as Comemorações dos (723+) 10 Anos da ULisboa
Curador da Exposição
 

obscura luz — exposição no âmbito da 5ª edição da GRÃO – Residência Artística e de Investigação

02 > 30 MAIO 2024 I RUA DAS GAIVOTAS, 6, LISBOA

A exposição OBSCURA LUZ junta o trabalho realizado pelos artistas Andrea Paz, Beatriz Neto, Flor Rabaçal, Inês Quente, Paulo Madureira, Sandra Teixeira no âmbito da quinta edição da GRÃO – Residência Artística e de Investigação, um projeto da Associação Quinta das Relvas, e que decorreu em Outubro de 2023, em Albergaria a Velha.

Esta é a segunda apresentação dum corpo de trabalho que através da escuridão e da luz do ato criativo descobre a imagem ou o vazio da mesma através do exercício peripatético de exploração dum espaço e dum tempo balizados pelos dias de residência.

Na continuidade do diálogo estabelecido por estes seis artistas, a convite da Aderno – Associação Cultural, na estufa principal da Mata Nacional do Bussaco, OBSCURA LUZ, traz agora à Sala Rosa da Rua das Gaivotas 6 uma proposta com obras pensadas e produzidas, nessa continuidade, especificamente para o espaço.

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AGENDA CULTURAL LISBOA

VIRAL AGENDA

o meu olho tem água a mais

15 > 28 MAIO 2024 I CISTERNA BELAS-ARTES

Inaugura no dia 15 de maio, às 18h30, na Cisterna da Faculdade de Belas-Artes, a exposição O MEU OLHO TEM ÁGUA A MAIS de Anabela Mota, Leah Saraiva e João Maria Carvalho, seguindo-se uma performance às 19h00.

A exposição ficará patente até 28 de maio.

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Horário: 2ª, 3ª e 4ª entre as 15h00 e as 19h00.

Para onde vou quando o meu corpo se enche de outro, de mundo? Excesso interior que transborda, que vem não se sabe de onde.  Excesso que preenche todos os interstícios, e já não cabe mais.  Comovo-me, e a lágrima desenha a borda da cara, vestindo o corpo.  Insubmissa e inevitável, a água nasce do canal lacrimal, inunda a córnea. A vista turva não discerne as coisas, mas é a única que as vê de verdade. O meu olho tem água a mais.

Formas nascem deste excesso. Pedras de âmbar suspensas, reflexos nas paredes, transformam a cisterna numa câmara de ampliação de um ser ainda por nascer. O rumor de um coração, o crepitar do fogo, o silvo de sopros metálicos, o vocalizo de uma voz.

Com a vista turva, propomos uma obra a três.

Escrita Rizomática em Termos Esculturais

15 MAIO > 15 JUNHO 2024 I ISEG

Inaugura no dia 15 de maio, às 18h00, no ISEG, Convento das Inglesinhas, a exposição Escrita Rizomática em Termos Esculturais de Rajaa Paixão, Investigadora do CIEBA, Centro de Investigação em Estudos de Belas-Artes, no âmbito da parceria ISEG – FBAUL. 

A exposição estará patente no ISEG até ao dia 15 de junho.

Entrada livre.

A investigação artística doutoral, incluindo a investigação relacionada com a prática com as suas diversas terminologias, evoluiu drasticamente na última década e continua a afastar-se de modelos emprestados de outros campos do conhecimento. Apesar de algumas universidades oferecerem cursos que culminam em artefactos que falam por si sem uma exegese obrigatória, a documentação escrita é obrigatória na maioria das instituições académicas em todo o mundo. Com a pesquisa pós-qualitativa decorrente de sentimentos, experiências e ideias, a voz do/da artista-escritor/a ainda precisa se conformar ao formato rígido da estrutura, modelo e ordem de desenvolvimento da dissertação tradicional.

Muitas vezes, construir uma investigação em torno de um(s) teórico(s) específico(s), ou argumentar para responder a questões pré-formuladas ou ‘problemas’ exigidos pelo discurso da pesquisa mapeia o processo artístico e limita a originalidade da exploração. Como é a tese escrita para autores cuja dissertação é essencial para a pesquisa quando hipóteses e teorias são gradualmente construídas seguindo linhas de pensamento desdobradas que geram novas ideias? A exposição fornece um elo que faltava entre o desenvolvimento das obras em ateliê e o texto escrito. Estabelece uma transição ao apresentar uma interpretação visual de uma metodologia de pesquisa em artes.

Cada escultura da exposição reivindica as suas próprias necessidades experimentais, explorando a passagem da escrita linear para a escrita rizomática com base no conceito dos filósofos Gilles Deleuze e Félix Guattari (1987) de uma rede de rizomas conectando qualquer ponto a outro. As formas visuais extraem o caule horizontal da planta subterrânea conhecido como rizoma acima do solo para ser visto. As intervenções escultóricas unem as respectivas compreensões do antropólogo biológico Ralph L. Holloway (1969) e do antropólogo Tim Ingold (2013) sobre o processo de produção. As estruturas pré-planejadas correspondem ao processo de Holloway claramente definido por um ponto de partida e um ponto final.

Na escultura superior – ao contrário dos materiais sólidos – as fitas macias obedecem à força gravitacional no plano inclinado e permanecem retas. Na escultura inferior maior, a instalação de tecidos rebeldes é intuitiva e espontânea. Segue os pensamentos de Ingold sobre o fazer como um ‘processo de crescimento’, respondendo aos fluxos dos materiais disponíveis. Passear pelas longas encostas inclinadas ecoa o gesto de percorrer as páginas intermináveis do documento de tese representado pelos desenhos emoldurados inclinados.

Os trabalhos foram desenvolvidos para responder ao espaço luminoso do ISEG. As esculturas canalizam a cor natural em que os rizomas prosperam e ampliam a vegetação e as árvores circundantes. O seu verde abstrato regula a energia espacial para os alunos circulantes, diminuindo a pressa e aliviando o estresse de uma longa e intensa jornada académica. Além disso, mostrar a prática qualitativa num espaço baseado em estudos quantitativos reforça a colaboração de longa data entre os campi de arte e economia.

Rajaa Paixão

SOBRE RAJAA PAIXÃO

Rajaa Paixão (n. 1980) é uma artista multidisciplinar libanesa-portuguesa, curadora independente e criativa premiada com sede em Lisboa. É doutoranda em Artes Plásticas/Escultura (teoria-prática) pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa (FBAUL), e membro do Centro de Investigação e de Estudos em Belas-Artes (CIEBA), Lisboa. Paixão possui Master of Arts com Distinção em Prática Artística Europeia pela Kingston School of Art, Londres (2014); Mestre em Artes com Distinção em Comunicação e Artes Visuais pela Holy Spirit University of Kaslik (USEK) (2003); e um Bacharelado Francês em Literatura e Filosofia Francesas.

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campo experimental — exposição de ângela ferreira

26 JANEIRO > 26 ABRIL 2024 I RIALTO 6

Ângela Ferreira, in collaboration with Alda Costa
Curated by Paula Nascimento and Álvaro Luís Lima

As part of Campo Experimental
26th January, 10:30 pm

A Performance by Scúru Fitchádu
“Eu o Povo, (eu de novo)”

Experimental Field (Campo Experimental): Ângela Ferreira, in Collaboration with Alda Costa, explores material and environmental research undertaken in the early years of Mozambique’s independence. The exhibition takes its name from an outdoor agricultural learning laboratory maintained at Eduardo Mondlane University’s campus, where university staff, researchers and students worked together to produce food, design resources, tools and structures, and train farmers and community technicians. This experimental site was coordinated by TBARN (Técnicas Básicas de Aproveitamento de Recursos Naturais), a research group formed in the early years of the socialist government to improve farmers’ production and quality of life with minimal resources.

Ângela Ferreira builds on TBARN’s visual and textual remains to reveal the revolutionary ethos that made Mozambique a global centre for radical experimentation in the 1970s and early 1980s.

The exhibition expands on Ferreira’s research-based practice and its search for the contemporaneity of the past. Experimental Field emerges from the artist’s ongoing dialogue with Alda Costa, a pioneer Mozambican art historian and cultural worker whose lived experience during socialism and scholarship thereafter have made her living memory of an unmatched moment in cultural history. In the exhibition, historical objects from Costa’s milieu and personal collection are displayed alongside Ferreira’s work. These objects’ design reveals the period’s placement of material conditions at the forefront of cultural production. Through this dialogue, Ferreira’s works investigate histories that simultaneously express political pragmatism and creative playfulness, being locally grounded and international in their reach.

In the last quarter of 2024 the exhibition travels to Mozambique.  This second iteration will take place at the Museu Nacional de Arte in Maputo.

centro mutável ll

04 > 27 ABRIL 2024 I GALERIA FACULDADE BELAS-ARTES

Inaugura no dia 4 de abril de 2024, pelas 17h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, a exposição CENTRO MUTÁVEL II.

A exposição ficará patente até 27 de abril.

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

A exposição CENTRO MUTÁVEL reúne trabalhos desenvolvidos pelas pessoas participantes dos workshops: FIGAS, com Sara Bichão; APROXIMAÇÃO E AFASTAMENTO, com Pedro Vaz e U PARA NASCENTE, por Sérgio Carronha.

Apresenta os resultados dos passeios pelo campo, idas ao rio Almansor, descida à Gruta do Escoural, fogueiras, experiências com barro e outros materiais recolhidos, além do trabalho de atelier que desenvolveram e discutiram com os artistas convidados.

Participantes:
Ana Magalhães, Ana Ribeiro, Bianca Silveira, Camila Almeida, Carolina Lemos, Cláudia Mestre, Diana de Brito, Guillaume R. Vieira, Hugo Santos Silva, Isa Araújo, Leah Saraiva, Maria Matias, Mariana Dias Coutinho, Marta Castelo, Rafael Raposo Pires, Raquel Soares, Sara Dionísio, Sara Rodrigues

Curadoria: João Rolaça e Margarida Alves

Horário: 2ª a sábado – 11h/19h