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CANCELADO — Art/archaeology: beyond an archaeology of art and interpretations of the past
Mar 02 2020CANCELADO 9, 10 MARÇO > 18H00
CONSIDERANDO A EVOLUÇÃO DE PROPAGAÇÃO DO VÍRUS COVID 19 INFORMAMOS QUE A CONFERÊNCIA E O WORKSHOP FORAM CANCELADOS.
Lecture and workshop by Doug Bailey
lecture
How do we move beyond practicing an archaeology of art that normally sees artefacts as art objects for us to examine and interpret? Is there any fresh territory available for us to work in beyond the well-worn paths taken either by contemporary artists (such as Mark Dion) who play with archaeological materials to make their museum and gallery installations or by archaeologists who look to modern artists (such as Anthony Gormley) for new ways to explain behavior and patterns in the past?
In this lecture Professor Bailey suggests that one way forward is to explore the potentials of an art/archaeology. The proposal is that we should move beyond traditional efforts to explain or interpret the past, and that we do this in a creative way that has impact on contemporary societies. To make such a move is to break with long-standing traditions of archaeological practice and thinking. An art/archaeology follows three steps: disarticulation (i.e., to break an object from its historical context); repurposing (i.e., to use that object as a raw material to make new creative work); and disruption (i.e., to fashion that new creative work in such a way that it has impact in contemporary social and political debate).
Bailey’s argument is not that standard ways to study the past and explain patterns and causes of human behavior are invalid or unnecessary; on the contrary, they are of tremendous value and importance to our knowing the world that we live in, where we have come from, and where we are heading. Rather, the suggestion is that there is an additional (alternative) method of treating the remains of the past, and that this alternative moves our work into other realms of activity and consequence. The result (an art/archaeology) is neither art nor archaeology, but an invitation to explore uncharted territories beyond the boundaries of both of those disciplines. Art/archaeology: infused with the past, released from the limitations of meaning and interpretation, with affect in the present.
workshop
In this workshop, Professor Bailey will lead a discussion with attendees about the aims and impact of the art/archaeology. Art/archaeology provokes new relationships between the study of the past and the creation of artistic output; it does so through three actions: disarticulation, repurposing, and disruption. Disarticulation breaks an artefact from its past and its status and context as prehistoric, ancient, or historic object. Once disarticulated, an object is repurposed as raw material; it becomes matter with which a new creator (artist, archaeologist, other) makes new work. That creative output is designed and executed to engage a social or political challenge or debate for a local contemporary community (e.g., homelessness, immigration, economic inequality). Finally, art/archaeology aims to disrupt your and my thinking in order to stimulate argument, action, and reactions to today’s significant social challenges.
In this workshop, specific attention will focus on the works that are currently on display in the Ineligible installation at the International Museum of Contemporary Sculpture in Santo Tirso. The goal of the workshop is to have an open discussion in which we will examine the limits and potential of art/archaeology and, in doing so, to look to the future of the approach in order to plan new work and new projects. Participants are invited to add their experiences and critique of the approach to the ongoing discussion. Though no preparation is required, several recent publications are listed below and will provide helpful background context.
Bailey, D.W. Bailey, D.W. 2017. Art/Archaeology: what value artistic-archaeological collaboration? Journal of Contemporary Archaeology 4(2): 246-56. [https://www.academia.edu/35970337/Art_Archaeology_what_value_artistic-archaeological_collaboration_2017_]
Bailey, D.W. 2017. Disarticulate – repurpose – disrupt: art/archaeology. Cambridge Archaeological Journal 27(4): 691-701. [https://www.academia.edu/34945345/Disarticulate_Repurpose_Disrupt_Art_Archaeology_2017_]
biography
Doug Bailey (PhD, Cambridge, 1991) is a visual archaeologist at San Francisco State University in California. Doug’s early research and teaching focused on European prehistory and prehistoric art; he ran survey and excavation projects in Bulgaria and Romania and published widely on the Neolithic period (6500-3500 cal BC), architecture and settlement, and anthropomorphic figurines. His Balkan Prehistory: Incorporation, Exclusion and Identity (Routledge, 2000) and Prehistoric Figurines: Representation and Corporeality (Routledge, 2005) are now classic texts in their fields. His 2010 book and exhibition, Unearthed (Sainsbury Center, Norwich), radically attacked traditional approaches to the publication and museum presentation of prehistoric art.
Currently, Doug is developing the new field of art/archaeology in which archaeologists, artists, and others create work that goes far beyond traditional academic boundaries (for examples seewww.artarchaeologies.com). Doug’s art/archaeology output includes alternatives to traditional archaeological narrative (e.g., visually provocative chapter-montages) and his recent book Breaking the Surface: an Art/Archaeology of Prehistoric Architecture (Oxford, 2018). With Sara Navarro, he has co-curated the current exhibition Creative (un)makings: disruptions in art/archaeology at the International Museum of Contemporary Sculpture in Santo Tirso (runs through June 30, 2020). At San Francisco State University, Doug teaches archaeology and visual anthropology. For more information see http://anthropology.sfsu.edu/people/faculty/douglass-bailey.
organization
Sara Navarro
Centro de Investigação e de Estudos em Belas-Artes
exhibition
Creative (un)makings: disruptions in art/archaeology
Museu Internacional de Escultura Contemporânea de Santo Tirso
6th march / 14th june (opening – 7.30 pm)
From 6th March to 14th June 2020, the Santo Tirso International Museum of Contemporary Sculpture hosts an exhibition/installation named “Creative (un)makings: disruptions in art/archaeology”, with the participation of artists and archeologists from all over the world.
From 2010-2012, archaeologists in San Francisco excavated a city-center site in advance of the construction of a major new bus and subway station. The excavation recovered many thousands of artefacts. While a standard set of analyses and interpretation resulted from the project, art/archaeologist Doug Bailey gained control of a large number of the archaeological remains and designed a project to test the collaborative limits of artists and archaeologists. Working with Lisbon-based sculptor, Sara Navarro, Bailey sent assemblages of the artefacts to artists, archaeologists, and other creators. Accompanying the artefacts was the request for people to make new creative work, to use the artefacts not as historical objects, but as if they were raw materials (like pigment or clay), and to repurpose the materials to make artwork that would stimulate visitor questions and thought about a political or social issue of contemporary society. For people working in San Francisco, that issue might be homelessness or income disparity; for people working elsewhere, different local, regional, or national issues might be more relevant (such as immigration, or refugee status). Ineligible is a selection of the result of the works that were made.
Creative (un)makings: disruptions in art/archaeology presents this new approach to the past in three provocative installations. The first (Releasing the Archive) presents photographs and videos in order to turn upside down the standard values that museums and institutional collections use to preserve historic objects and images. The second installation (Beyond Reconstruction) displays an array of ceramic fragments that resulted from the construction/deconstruction of a figure; in addition it includes documentary photographs of the works, highlights the limits of the archaeological reconstruction, and opens a new creative space beyond. The third installation (Ineligible) takes artefacts from an excavation in San Francisco and uses them as raw materials in order to make new artistic work that stimulates museum viewers’ thoughts about modern political and social issues, such as homelessness and income inequality.
Curator: Doug Bailey e Sara Navarro
Participants: Thomas Andersson, Doug Bailey, Jéssica Burrinha, Simon Callery, João Castro Silva, Shaun Caton, Rui Gomes Coelho, Jim Cogswell, Tiago Costa and Daniel Freire Santos, Ilana Crispi, Patrik Elgström and Jenny Magnusson, Dov Ganchrow, Stefan Gant, Cornelius Holtorf with Martin Kunze, Alfredo González-Ruibal and Álvaro Minguito Palomares, Cheryl E. Leonard, Nicola Lidstone, Marko Marila and Tony Sikström, Alison McNulty, Daniel V. Melim, Colleen Morgan, Sara Navarro, Jana Sophia Nolle, Laurent Olivier, Luisa da Rocha, Filomena Rodrigues, Suvi Tuominen, Ruth M. Van Dyke, Valter Ventura, Vanessa Woods
+ info: http://miec.cm-stirso.pt/portfolio/creativeunmakings/
com(posto)
Fev 16 202006 > 26 FEVEREIRO I GALERIA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 6 de fevereiro, às 18h00, na Galeria das Belas-Artes, a exposição coletiva com(posto), comissariada por Marta de Menezes. A exposição ficará patente até 26 de fevereiro.
Adam Zaretzky, Alex Warmouth, Ânia Pais, Crystal Kershaw, Dalila Honorato, Diana Aires, Eira Tapio, Ellen Wetmore, Gato Aleatório, Hege Tapio, Henry Wang, Jeff Warmouth, Marne Lucas, Mark Lipton, Marta de Menezes, Molly Ashley, Narae Jin, Rita Wang, Tiago Costa
horário schedule
2ª a 6ª › 11h–19h
monday to friday › 11am to 7pm
O composto é matéria orgânica que foi decomposta em um processo chamado compostagem. É um processo de reciclagem de vários materiais orgânicos, também considerados resíduos e produz um condicionador de solo (composto).
A exposição deste ano na Galeria da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa tem um título duplo, pois a palavra composto tem uma complexidade de significados relevantes para a coesão desta mostra como um todo, mas também como um conjunto de obras de arte que têm significado profundo por si mesmas. Com(posto) implica um processo de transformação, e este ano a Cultivamos Cultura reflectiu muito sobre processos de transformação. A inevitabilidade das mudanças é uma constante que temos ao longo de nossas vidas, sobretudo no presente que vivemos agora. Composto e com-posto, composição, Com(posto) é uma exposição sobre ciclos, sobre transformação e sobre uma transformação em algo mais, algo que incentiva o crescimento de novos começos, de melhores começos. À medida que tomamos consciência da necessidade de mudar em nosso mundo, o nosso planeta, as nossas vidas, torna-se necessário e fundamental lembrar-nos que a vida é um processo dinâmico sem fim. Que a vida é um processo consistente de transformação e adaptação, que talvez devamos pensar nela como um processo de compostagem, cíclico. A arte, mais do que qualquer outra actividade humana, pode mostrar e ser um reflexo desse ciclo como vida e, portanto, a melhor maneira de nos lembrarmos que o processo de ser algo diferente, algo mais, algo mais ou algo menos, começa por compor e decompor o que precisamos para um potencial futuro. A exposição deste ano é composta por uma pequena série de obras de diferentes artistas que repensam o que nos podemos tornar.
os 500 desenhos de silva porto da coleção snba
Fev 16 202029 JANEIRO > 07 MARÇO I SOCIEDADE NACIONAL DE BELAS ARTES
Inaugura no dia 29 de janeiro, às 18h30, a exposição 500 DESENHOS DE SILVA PORTO DA COLEÇÃO SNBA. A exposição ficará patente até 07 de março.
Horário
2ª a 6ª: 10h/19h; sáb.: 14h/19h
No Campo Grande, com Silva Porto
João Paulo Queiroz
- Presidente da Direção SNBA
Há 160 anos, em 1860, a Academia de Belas-Artes de Lisboa procurava um enquadramento para as suas exposições trienais, onde expunham, mediante obrigação estatutária, os seus professores e os seus alunos, obrigatoriamente e sem falta. Estas exposições eram as únicas e atraíam o interesse e participação de não académicos, de amadores e ilustres, sem um lugar para a sua exposição.
É fundada, em 1860, pelos académicos de Lisboa e alguns aristocratas, e com o patrocínio real, a Sociedade Promotora de Belas Artes, a antecessora direta da atual Sociedade Nacional de Belas Artes. Os seus sócios, os académicos, os alunos, e os amadores sofisticados, dividiam-se, como ainda hoje, em “sócios titulares” – os amadores categorizados – e em “sócios efetivos” – os artistas profissionais, possuidores de diploma em Belas Artes.
As exposições da Promotora são também trienais, como as da Academia, pelos seus estatutos. Quando Silva Porto regressa de Paris e participa na exposição de 1880, e cedo se apercebe que o seu ritmo de trabalho não era compatível com a lentidão implícita nas Exposições ao ritmo de três anos, talhadas a pensar nas grandes obras de composição histórica aparatosa e de lenta e esforçada elaboração.
Silva Porto trouxera novidades. Abrira a porta do atelier para, junto do gado e do povo, se sentar ao sol e, duramente, pintar ali mesmo os seus quadros. Era uma pintura portadora da frescura verde do rio, do azul metálico do céu dos dias quentes, do sol a pique que se reflete nas agulhas ondeantes das searas em sequeiro. Entorno da sua casa de campo, no Lumiar, estabelece um perímetro de operações, como o fizera em França, ao longo do Rio Oise em Auvers, ou na Floresta de Barbizon.
O trabalho, muito, é exposto nas exposições paralelas, em salas emprestadas, com um grupo restrito dos seus alunos e amigos. Chamam-lhes o Grupo do Leão, nome da cervejaria, aos Restauradores. As exposições são anuais, espécie de primeiros “Salões de Outono” e reservadas à “arte moderna”.
Ao mesmo tempo, a Sociedade Promotora esgotava as suas energias, pelo seu programa clássico, e pela monumental fundação do Museu das Janelas Verdes e a organização das suas exposições, levadas a cabo pelos seus académicos. Perdia-se o fôlego das exposições, mesmo trienais. Mas Silva Porto empreende a sequência, em paralelo, de oito exposições anuais sendo acompanhadas de muito êxito. Ele e os seus companheiros e admiradores, colecionadores e amadores, em combinação com Ramalho Ortigão, e contando com o apoio da casa real, preparam uma nova associação, dinâmica e reformada, que será o Grémio artístico.
Quando Silva Porto morreu, precocemente, aos 42 anos, em Lisboa, em 1893, deixa um complexo legado, tanto artístico, como institucional e patrimonial. É o Grémio Artístico que, no leilão do espólio do artista, em 1894, irá adquirir as suas gavetas de desenhos, a miscelânea de folhas de papel que lá se encontravam.
Objetos muito diversos, desde os pequeninos apontamentos de uma criança de 10 anos passando pelos trabalhos esforçadas de um estudante de escola industrial, projetos de arquitetura e estudos de Belas-Artes, provas de pensionista, desenhos de exame e de prova de acesso às academias de Paris, e muitos outros trabalhos que acompanharam a sua curta vida.
Será o Grémio Artístico que, já em 1901, se fundirá com a Sociedade Promotora, exangue, mas prestigiada, numa assembleia geral simultânea, originando assim a Sociedade Nacional de Belas Artes.
Este conjunto de desenhos é ao mesmo tempo monumental e banal, pois no acervo convivem os mais ambiciosos projetos com os mais insignificantes esbocetos e anotações ínfimas. Neles se esconde uma vida inteira, e uma leitura do mundo, um pensamento e muitos testemunhos.
O conjunto dos 500 desenhos, significativo e diversificado, protegeu-o, talvez. O tempo foi passando sem que se dispersasse, mantendo-se em diversas pastas e cadernos, conservados nas arrecadações da SNBA durante mais de 100 anos, a maior parte inéditos. Talvez a grandeza do espólio assustasse, e talvez não tenha sido mau de todo, afinal.
E os tempos mudaram: o trabalho de Sara Beirão, que no seu Mestrado de Ciências da Arte e do Património tomou como objeto de estudo o espólio da Sociedade Nacional de Belas-Artes, tomou como objeto o completo inventário deste conjunto. Um trabalho diligente, minucioso, atualizado e correto, com uma metodologia científica adequada, supervisionado pelas professoras Cristina Tavares e Elsa Garrett Pinho, as mais autorizadas especialistas.
Faltava agora a divulgação integral deste acervo. Em 2019 pudemos estabelecer a ligação oportuna entre a crescente consciência ambiental – e esse foi um ano grande para todos – e a temática desta pintura que nos faz regressar à Natureza. Pudemos assim fazer a proposta de associar esta exposição às iniciativas que a Câmara Municipal de Lisboa programou em 2020, por ocasião da atribuição pela Comissão Europeia a Lisboa do título de “Capital Verde.”
Foi o pretexto imaginado, proposto, valorizado e compreendido. Uma oportunidade de editar este volume, de restaurar, desenhos mais precários, de emoldurar a totalidade dos desenhos do acervo, sem excepção, e de mostrá-los também ao público.
A ideia, ambiciosa – 500 desenhos! – foi recebida com entusiasmo pelo vereador José Sá Fernandes e pelo presidente da Câmara de Lisboa, Fernando Medina, que nos apoiaram.
Inesperadamente atual, a obra de Silva Porto esconde um pensamento profundo, e é uma oportunidade que surpreende na sua criatividade renovada: a natureza hoje mudou de lugar no imaginário, chama-se sustentabilidade, chama-se ambiente, chama-se verde: mas é ainda a mesma, aquela que Silva Porto tanto procurou e incansavelmente representou.
Olhamos de novo os trabalhos de Silva Porto, antes do plástico e do óxido de enxofre, da camada escura do que estamos a deixar nos estratos do antropoceno, e percebemos novos sentidos, chamadas, perguntas e desafios que ultrapassam em muito o gosto da época, e o domínio da pintura e do desenho, coisas afinal pequenas.
Desenvolve-se agora a obra de Silva Porto numa ética integral do ser humano. Este é um sinal da grandeza da obra: quando transcende a sua significância expressiva e se alarga até um humanismo novo, hoje, continuando a sua criação.
Lisboa, 15 de janeiro de 2020
Meia década de resistência tipográfica e editorial (oficinal, projetual, autoral)
Fev 16 202007 > 28 FEVEREIRO I AR.CO
Exposição de projectos dos alunos do mestrado em Práticas Tipográficas e Editorais Contemporâneas (FBAUL + FAUL + Ar.Co)
Os primeiros cinco anos lectivos: 2014-2019
Exposição em três núcleos.
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Primeira parte
“Oficinal”
Inauguração, quinta-feira, 6 de Fevereiro às 18h. Ar.Co, Xabregas.
Exposição patente de 7 a 28 de Fevereiro 2020.
Horário: 2ª a 6ª das 10h às 21h.
Local: Ar.Co – Centro de Arte e Comunicação Visual
Antigo Mercado de Xabregas, Rua Gualdim Pais, 1900-255 Lisboa
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Segunda parte
“Projectual”
Março 2020 (quatro semanas de duração)
Faculdade de Arquitectura da Universidade de Lisboa
Núcleo debruçado em torno da caligrafia e desenho de letra
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Terceira parte
“Autoral”
Maio/Junho 2020 (quatro semanas de duração)
Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.
Núcleo debruçado em torno do book design e do livro de artista
esculturas infinitas
Fev 15 202003 DEZEMBRO > 16 FEVEREIRO I ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE DES BEAUX-ARTS DE PARIS ///
24 ABRIL > 07 SETEMBRO I MUSEU GULBENKIAN
A exposição Esculturas Infinitas é uma coprodução do Museu Calouste Gulbenkian e da École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris (ENSBAP), onde será apresentada em primeiro lugar entre 3 de dezembro de 2019 e 16 de fevereiro de 2020. Em Lisboa, a exposição ocorre entre 24 de abril e 7 de setembro de 2020.
Se em Paris o ponto de partida são os gessos da ENSBAP e do Louvre, no Museu Gulbenkian expõe-se uma seleção proveniente da Faculdade de Belas-Artes de Lisboa, pretendendo-se, por um lado, celebrar as coleções históricas de réplicas em gesso de esculturas conservadas em escolas de arte e, por outro, questionar a relevância da técnica do molde/modelagem nas práticas artísticas contemporâneas.
A exposição apresenta, lado a lado, estes acervos históricos e um conjunto de obras de 16 artistas contemporâneos, nacionais e internacionais: David Bestué, Christine Borland, Steven Claydon, Michael Dean, Asta Gröting, Simon Fujiwara, Oliver Laric, Juamana Manna, Jean-Luc Moulène, Charlotte Moth, Francisco Tropa, Xavier Veilhan, Marion Verboom, Daphne Wright, Heimo Zobernig e Aleksandra Domanović. Desenvolve-se assim, em diálogo e confronto, um olhar atual sobre a função pedagógica e a contribuição destas coleções de gessos europeias para a cultura visual e para os conceitos de reprodução, variação, serialidade, escala e matéria, entre outros.
Esta exposição constitui uma oportunidade para dar a conhecer ao público coleções históricas que têm vindo a despertar um interesse crescente por parte dos museus, dos investigadores e universidades e dos artistas contemporâneos.
Comissária: Penelope Curtis
Equipa curatorial: Armelle Pradalier, Penelope Curtis, Rita Fabiana, Thierry Leviez
Exposição organizada e coproduzida pela Fundação Calouste Gulbenkian e a École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris, com a colaboração da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.
![E_2020_INVARIANTE_4](https://www.belasartes.ulisboa.pt/wp-content/uploads/2020/02/E_2020_INVARIANTE_4.jpg)
Invariante uma suspensão
Fev 10 202008, 13, 15 E 20 FEVEREIRO I CISTERNA BELAS-ARTES
Instalação sonora Invariante uma suspensão de Paulo Morais
HORÁRIOS:
Dias da apresentação
08 fevereiro,,18h10
13 fevereiro, 19h40
15 fevereiro, 18h10
20 fevereiro, 19h40
Entrada livre até ao número limite de 20 visitantes por apresentação .
Não é permitida a entrada depois dos horários estabelecidos.
O trabalho de Paulo Morais materializa-se na criação de Instalações/ Performances que resultam da constante pesquisa sobre a atenção — descobrir, filtrar, e evidenciar — em processos de confrontação ou associação de ideias e objectos.
O “conceito aberto” e a “forma pela forma” são pontos de partida essenciais para “ver/reconhecer o que já lá está”. A apropriação de território, espaço e tempo, estabelece ligações entre matéria/ objectos que, em movimento, geram sonoridades.
O imaginário, de referencial industrial e natural, conecta-se à química, física, função e vida dos objetos. Instalações que evidenciam a percepção de tempo e movimento, que se prolongam, adiando um fim, aludindo à experiência perpetua.
No processo criativo, vento, luz, fogo, água e magnetismo são impulsionadores de movimento que se traduz em peso, resistência, atrito, tensão, queda ou inércia, dando origem a acontecimentos sonoros sobre a reciprocidade “causa-efeito”. O resultado são propostas abertas de paisagens visuais e sonoras que trabalham com a atenção, evocando o acaso aparente, o momento e a ilusão.
Repensar as museologias na era da descolonização das artes
Fev 10 2020
20 FEVEREIRO > 18H00 I AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES
Arte selvagem, arte negra, arte primitiva, arte extra europeia, arte étnica? Como é que se passou de uma visão de « selvagem » para uma visão repleta de valores humanistas? Como repensar a museologia para expor uma arte considerada durantes séculos como arte colonial?
Estas são algumas das questões e desafios dos principais museus da Europa na última década.
Partindo de nossa experiência nos museus franceses e do recente relatório Sarr-Savoy (2018) encomendado pelo presidente francês, veremos de que forma é que se tem pensado a museologia participativa, a descolonização das artes as heranças coloniais através de arrojados artefatos e dispositivos de museografia e de arquiteturas.
Nota Bio-Bibliográfica:
Egidia Souto
Doutorada em Literatura e Arte pela Universidade da Sorbonne Nouvelle, é professora associada de literatura e cultura lusófona (Portugal e África) na mesma universidade. As suas pesquisas dividem-se em diversas áreas, entre as quais se destacam: a pintura e a ekphrasis; a importância da paisagem como teatro do mundo; os lugares de memória; a arte tribal, museologias participativas. É conferencista, há mais de dez anos, no Museu do Quai Branly-Jacques Chirac, Museu Dapper, Museu do Homem. Tem colaborado em diversos projetos antropológicos ligados ao património. É membro do CREPAL (Centre de recherches sur les pays lusophones), Universidade da Sorbonne Nouvelle, CEAUP (Centro de Estudos Africanos da Universidade do Porto), do grupo Raízes e Horizontes da Filosofia e da Cultura em Portugal da Universidade do Porto e do Instituto de antropologia cultural (Instituto Frobenius), Universidade Goethe de Francfort-sur-le-Main.
![E_2020_ETHELLEON](https://www.belasartes.ulisboa.pt/wp-content/uploads/2020/02/E_2020_ETHELLEON.jpg)
Design, Autarquia e Autonomia
Fev 10 202020 fevereiro > 11h00 i auditório lagoa henriques i entrada livre
Design, Autarquia e Autonomia
Por motivos de força maior a conferência A autarquia italiana em relação à crise ambiental contemporânea da investigadora Federica dal Falco foi cancelada
20.02.2020, 11h-13h15
Auditório Lagoa Henriques, Faculdade de Belas-Artes, Universidade de Lisboa
Nos nossos tempos de quarta revolução industrial, emergência climática e crise das democracias, urge aprender não só com os erros mas sobretudo com os exemplos do passado. Nesta sessão única, Ethel Leon falará da procura de Gui Bonsiepe por uma autonomia projectual no contexto do governo revolucionário chileno dos anos 1970 e do auge desenvolvimentista brasileiro dos anos 1980. Após a palestra, esta reconhecida investigadora em design conversará sobre como os tempos, regimes e geografias muito diversas que pesquisa podem informar e inspirar a prática, mas também a história, o ensino e o discurso contemporâneos do design.
11h00-11h05
Apresentação por Raul Cunca e Frederico Duarte
11h05-11h50
Gui Bonsiepe, pensamento e prática
Ethel Leon
Gui Bonsiepe é um dos teóricos do design mais importantes do século XX. A sua noção de interface como ponto nodal do design antecede em muito a perspectiva contemporânea de que o projeto não realiza ‘coisas’, mas relações. Esta palestra visa repassar a formação e os conceitos fundamentais da obra teórica do designer alemão, além de apresentar a sua atuação na América Latina, menos conhecida do público especializado, onde ele participou de modo central em programas importantes de design a partir da esfera pública, nomeadamente no Chile e no Brasil.
Entre 1970 e 1973 Bonsiepe coordenou em Santiago do Chile a equipa de designers do projeto Cybersyn, idealizado por Stafford Beer para o governo de Salvador Allende e considerado hoje uma poderosa iniciativa de design de interfaces em gestão pública. Em 1983 implantou na cidade brasileira de Florianópolis o Laboratório de Design de Produtos, em consonância com o curso de Engenharia Mecânica da Universidade Federal de Santa Catarina. Mais tarde, este Laboratório seria renomeado Laboratório Brasileiro de Desenho Industrial, iniciativa que transformou o ensino e a consultoria em design para pequenas e médias empresas.
Com livros publicados em vários idiomas, Gui Bonsiepe recebeu títulos de doutoramento honoris causa em diversas Universidades, incluindo a Universidade de Lisboa em 2018. O seu pensamento é divulgado em boa parte do mundo, tendo recentemente ganho evidência a sua polémica com o designer austríaco Victor Papanek em torno da questão da autonomia projetual da periferia. A prática de Bonsiepe como designer, expressa nos projectos de objectos e interfaces realizados no Chile na década de 1970 e no Brasil na década de 1980, é todavia menos conhecida e merece ser estudada precisamente enquanto resposta a uma procura de autonomia projetual da periferia.
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12h00-12h45
Conversa moderada por Raul Cunca e Frederico Duarte
Ethel Leon é doutora pela Faculdade de Arquitetura da Universidade de São Paulo. Foi editora da revista eletrônica de design Agitprop (2008-2015). É autora dos livros Design Brasileiro quem fez quem faz (SENAC RJ, 2005 João Baptista da Costa Aguiar, Desenho Gráfico (SENAC SP, 2008). É co-autora, com Marcello Montore do capítulo ‘Brasil’ do livro Historia del Diseño en América Latina y el Caribe, editado por Gui Bonsiepe e Silvia Fernández (Blucher, 2008); Memórias do Design Brasileiro, (SENAC SP, 2009); IAC, primeira escola de design do Brasil (Blucher, 2014), Canasvieiras, um laboratório para o design brasileiro (UDESC/FAPESC, 2015), organizadora e coautora do livro Michel Arnoult, design e utopia (Sesc, contemplado com o Projeto Rumos Itaú Cultural, 2016) e coautora do livro Marcenaria Baraúna (Olhares, 2017). Sua tese de doutorado e os livros IAC, Michel Arnoult e Marcenaria Baraúna foram premiados no Prêmio Design Museu da Casa Brasileira. Foi curadora de algumas exposições, entre as quais “Singular & Plural”, 50 anos de design brasileiro”, inaugurada com a abertura do Instituto Tomie Ohtake em São Paulo.
A Home Made by Drawing: Amazonia_Lorenzo Bordonaro
Fev 05 202024 JAN > 17 FEV 2020 | CAPELA DA FACULDADE DE BELAS-ARTES DA ULISBOA
Inauguração Jan 23, 18h00
curadoria: Ângela Ferreira
A Home Made by Drawing é um projeto de pesquisa artística e antropológica que explora a prática humana do habitar, as noções de casa e refúgio, e os significados da mobilidade e da identidade humana. O projeto foca a dialética entre os conceitos de casa e horizonte, aberturas e fecho, finito e infinito, que gera um movimento existencial constante, ambíguo e insolúvel entre contração e expansão. Criado pelo artista e antropólogo Lorenzo Bordonaro, A Home Made by Drawing explora modalidades não-estáticas e fluidas do habitar, que evoquem uma relação alternativa entre os seres humanos e o seu ambiente, sugerindo noções de identidade e pertença não rígidas e líquidas. Em A Home Made by Drawing, Bordonaro cria estruturas simbólicas nômadas através de arquiteturas efêmeras, frágeis e não permanentes, que manifestam esta oscilação entre a necessidade de se abrigar e o desejo de ir além, entre ser si mesmo e se tornar outro, entre a casa e o desejo de viajar.
Nesta instalação específica, Amazonia, parte do mais amplo projeto A Home Made by Drawing, Bordonaro reelabora imagens fotográficas e sugestões arquitetônicas da sua viagem marcante realizada à floresta amazónica em 2014.
Biografia do artista em www.bordonaro.eu
instagram: https://www.instagram.com/lorenzobordonaro/
facebook: https://www.facebook.com/lorenzobordonaroart
Conferência “Pulsações dilatadas — Uma extensão da música nas artes plásticas”
Fev 01 202012 FEVEREIRO > 18H30 I SALA 3.49
Conferência “Pulsações dilatadas — Uma extensão da música nas artes plásticas“, por Bertrand Chavarría-Aldrete, no dia 12 de Fevereiro às 18h30 no âmbito do Festival DME – Dias de Música Electroacústica, acolhido pelo doutoramento em Belas Artes — Arte Multimédia.
O Festival DME – Dias de Música Electroacústica tem a honra de apresentar uma série de actividades em Fevereiro com o célebre músico e artista plástico espanhol-mexicano Bertrand Chavarría-Aldrete.
Bertrand Chavarría-Aldrete é Professor no Conservatório Claude Debussy e no Conservatório Courbevoie, ambos em Paris. Músico e artista plástico Bertrand é uma referência nas áreas da música contemporânea, cinema e artes plásticas.
Revista Convocarte
Fev 01 2020
Christian Marclay, The Clock, 2010, video, 24 h
13 FEVEREIRO > 18H00 I AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES
Apresentação por Fernando Rosa Dias, Stefanie Franco e Leonor Veiga
Com comunicação do filósofo Michel Guérin
Apresentação e lançamento da versão digital da revista 8 / 9 sob o tema “Arte e Tempo” (2019)
“Que é, pois, o tempo? Quem poderá explicá-lo clara e brevemente? Quem o poderá apreender, mesmo só com o pensamento, para depois nos traduzir por palavras o seu conceito? E que assunto mais familiar e mais batido nas nossas conversas do que o tempo? Quando dele falamos, compreendemos o que dizemos. Compreendemos também o que nos dizem quando dele nos falam. O que é, por conseguinte, o tempo? Se ninguém me perguntar, eu sei; se o quiser explicar a quem me fizer a pergunta, já não sei”.
(Santo Agostinho, Confissões, Santo Agostinho, Confissões, Livro XI)
“Qu’est-ce donc que le temps ? Qui pourra l’expliquer clairement et en peu de mots ? Qui pourra, pour en parler convenablement, le saisir même par la pensée ? Cependant quel sujet plus connu, plus familier de nos conversations que le temps ? Nous le comprenons très bien quand nous en parlons ; nous comprenons de même ce que les autres nous en disent.Qu’est-ce donc que le temps ? Si personne ne me le demande, je le sais ; si je cherche à l’expliquer à celui qui m’interroge, je ne le sais plus.”
(St Augustin, Confessions, Livre XI)
Lançamento de trabalhos do próximo número 10 / 11 “Arte e Loucura” (2020)
“A loucura, longe de ser uma anomalia, é a condição normal humana. Não ter consciência dela, e ela não ser grande, é ser homem normal. Não ter consciência dela e ela ser grande, é ser louco. Ter consciência dela e ela ser pequena é ser desiludido. Ter consciência dela e ela ser grande é ser génio”
(Fernando Pessoa)
“La folie, loin d’être une anomalie, est la condition normale de l’homme. L’ignorer sans qu’elle soit grande, c’est être un homme normal. L’ignorer alors qu’elle est grande, c’est être fou. En être conscient alors qu’elle est petite, c’est être déçu. En être conscient et qu’elle soit grande, c’est être un génie.”
(Fernando Pessoa)
Apresentação e lançamento da versão impressa da revista 6 / 7 sob o tema “Ars Ludens – Arte, Jogo e Lúdico” (2018)
“A comunicabilidade universal subjectiva do modo de representação num juízo de gosto (…) não pode ser outra coisa senão o estado de ânimo no jogo livre da faculdade da imaginação e do entendimento (…) . “
Kant, Crítica da Faculdade do Juízo. Analítica do belo. §9
“La propriété subjective qu’a le mode de représentation propre au jugement de goût de pouvoir être universellement partagé (…), ne peut donc être autre chose que l’état de l’esprit dans le libre jeu de l’imagination et de l’entendement (…).”
Kant, Critique de la faculté de juger. Analytique du beau. §9
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convocarte@belasartes.ulisboa.pt
As revistas CONVOCARTE editadas estão disponíveis na loja online.
extrai — apresentação do projecto, lousal
Fev 01 202015 FEVEREIRO > 16H00 I CENTRO CIÊNCIA VIVA DO LOUSAL
A povoação mineira do Lousal, localizada no concelho de Grândola, tem a sua história ligada à exploração mineira da pirite desde o final do século XIX. O encerramento da mina em 1988, veio alterar toda a sua dinâmica sociocultural e demográfica provocada pelo fim da actividade mineira.
Este é um projecto de programação de residências artísticas com Ângela Ferreira, Carlos Moura, Letícia Larín, Rogério Taveira e Tiago Rocha Costa, que reúnem as artes visuais na sua expressão pública como ferramenta para o trabalho social.
A sessão de apresentação pública do projecto irá realizar-se no próximo sábado, 15 de fevereiro às 16.00 horas, no auditório do Centro Ciência Viva do Lousal.
Programação:
16:00 – 16:30 – Apresentação do projeto
16:30 – 17:30 – Debate aberto
Entrada livre, sujeita à lotação da sala.
PURO INÓSPITO OU A TRANSCENDÊNCIA DOS OBJECTOS CORPÓREOS ARTLAB — TAPEÇARIA CONTEMPORÂNEA
Jan 27 202012 DEZEMBRO > 30 JANEIRO 2020 I GALERIA DE EXPOSIÇÕES TEMPORÁRIAS DO CASTELO DE PORTALEGRE
Inaugura no dia 12 de dezembro, às 17h00, na Galeria de Exposições Temporárias do Castelo de Portalegre, a exposição PURO INÓSPITO OU A TRANSCENDÊNCIA DOS OBJECTOS CORPÓREOS ARTLAB — TAPEÇARIA CONTEMPORÂNEA.
A exposição que se realiza na Galeria de Exposições Temporárias do Castelo de Portalegre reafirma a ligação estabelecida entre a unidade curricular de Tapeçaria da Licenciatura em Pintura da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, o Museu de Tapeçaria de Portalegre Guy Fino e a Câmara Municipal de Portalegre.
Esta exposição intitulada: «Puro Inóspito ou a Transcendência dos Objectos Corpóreos – ArtLab – Tapeçaria Contemporânea», procura introduzir-nos numa «territorialidade imagética» em que a convicção de que as coisas que fazem parte do mundo do pintor são a superfície do mundo visível, este fluxo incessante de transformações é observado, ensaiado de forma a permitir instaurar uma ordem artística (cosmos) que transcende o impacto da fascinação e pavor perante a natureza (Ernesto Grassi).
Os “objectos corpóreos” entendidos como tapeçarias contemporâneas, reconhecidas como «coisas» que podem ser vistas em fragmentos momentâneos de um mundo construído e partilhado por cada autor ao desvendar na materialidade da obra a sua presença imagética (visível) que se torna comunicação multidimensional. Esta mostra-se estrutura-se através de três grupos de «objectos corpóreos» que são identificados pela numeração romana de I, II e III. No “Objectos Corpóreos I”, encontram-se os artistas Alves Dias, Leonor Serpa Branco e Joedy Marins, representando a memória e o legado da Tapeçaria Contemporânea. No «Objectos Corpóreos II», existem os testemunhos artísticos dos professores da disciplina, no caso do Hugo Ferrão, manifesta nas obras a intencionalidade essencial dos materiais e matérias fundadores da Tapeçaria (linhas, tecidos, agulhas) que inventam corpos que aparentam emaranhados de tessituras, já a Susana Pires concebe obras motivadas pelo vestígio do toque revelador da sensualidade e sensorialidade de um corpo intuído. Por último no “Objectos Corpóreos III”, encontramos uma explosão de propostas, com enorme diversidade de criatividade por parte dos alunos selecionados que frequentam a unidade curricular de Tapeçaria: Ana Rita Esteves, Andreia Jesus, Ânia Pais, Aline Welmer, Daniela Landeiro, Joana Leão Alves, Joana Batista, Maria Inês Marcos, Maria Madeira, Maria Nascimento e Margarida Vinhais. A maioria das peças são respostas de enorme qualidade e actualidade, realizadas num contexto que por vezes é muito limitativo, com toda a generosidade que caracteriza a juventude, materializaram mundos em forma de objectos corpóreos poéticos de uma subtileza surpreendente (Andreia Jesus, Ânia Pais, Maria Inês Marcos e Margarida Vinhais) ou funcionalidades que suavizam a existência (Maria Madeira, Ana Rita Esteves e Joana Batista). Neste tempo magnífico em que fui professor de «criaturas mágicas» a quem chamei de alunos pelos seus nomes, fomos capazes de nos olhar nos olhos em busca de humanidade e conhecimento e por breves instantes, sentimos fazermos parte de uma comunidade de seres que desejam mediar a tragédia da vida através de «objectos corpóreos» capazes de despertar mais sentido perante o «puro inóspito» da vivência.
Hugo Ferrão
Regente da unidade curricular de Tapeçaria
Licenciatura em Pintura
entre — exposição de tiago santos
Jan 27 202015 > 29 JANEIRO 2020 I GALERIA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 15 de janeiro de 2020, às 18h00, na Galeria das Belas-Artes, a exposição Entre de Tiago Santos, com curadoria de Isabel Sabino. A exposição ficará patente até 29 de janeiro de 2020.
horário schedule
2ª a 6ª › 11h–19h
monday to friday › 11am to 7pm
Informamos que este evento poderá ser registado e posteriormente divulgado nos meios de comunicação da instituição através de fotografia e vídeo.
Entre
Todo o homem, patrão a bordo depois de Deus.
Todo o homem, prisioneiro no fundo do porão.
E navio ao mesmo tempo que marinheiro.
Marguerite Yourcenar[1]
No estúdio do jovem artista Tiago Santos (Oliveira de Azeméis, 1996), ocorre-me esta palavra ‘entre’ quando me vejo perante obras em processo, materiais espalhados no chão e mesas, o cheiro e a luz próprios do ambiente de trabalho de atelier que é sempre familiar e que, ao mesmo tempo, se faz estranho.
Estou aqui ‘entre’ tarefas, no meu próprio tempo, mas sobretudo entre objetos, entre representações, entre vestígios de realidades, entre gestos de procura, entre obras, entre palavras e, novamente, entre tempos (entre gerações e entre décadas e séculos de obras, antes e depois de mim, antes e depois deste jovem artista). Não é, contudo, um estar de passagem. Sinto-me no lugar certo à hora certa. O resto agora não conta.
Aliás, mal acabo de chegar pelo meio da chuva miudinha que cai lá fora, o Tiago acolhe-me e diz: entre. E, no interior, vejo pela janela larga a manhã cinzenta e molhada, cujo clima cromático continua nos papéis, cá dentro.
Entre espaços, infiltra-se portanto o olhar.
Entre janelas e paredes há a luz que passa. Entre umas e outras, parece que a luz se fixa mais demoradamente em certas matérias, sejam elas da realidade ou decantadas nas obras. Mesmo aquela luz branca que, no contraste através de vidros aparentes ou quadros, me cega numa certa penumbra acolhedora, acaba por se render ao seu destino, como por exemplo nos casos em que bate e foge de imediato, reflectida, repelida. Esses são os objetos que brilham na sedução da comunicação e da beleza consumível. Aqui rareiam.
Outros são os das matérias cujas superfícies, humildes como corpos baços, absorvem a luz e guardam-na na escuridão, em réstias desmultiplicadas no interior das células, prontas a iluminarem-se ao toque, de dentro para fora.
Poderíamos pensar que é algo químico, algo que resulta da mistura e respiração dos materiais aqui presentes neste laboratório informalmente obsessivo e parcialmente negro: papel, carvão, grafite, tintas acrílicas, betumes, diluentes, etc. Mas, na verdade, é a natureza dos gestos que altera a pele destas coisas aqui visíveis, acende o que elas escondem e cria essa relação inesperada com a luz, essa reação em potência. Neste lugar (ocorre-nos um outro que não este, como uma distante caverna, galeria subterrânea, porão de navio) a luz não se vislumbra por ser reflectida; é imanente, mas precisa de ser revelada.
É o que aqui se passa, suspeito, no estúdio e em cada obra: superfícies intensa e insistentemente tocadas, manuseadas, pisadas, pelos olhos que têm dedos e pelos dedos que têm penas, lábios, dentes e máquinas caprichosas, são propensas a revelarem a sua força expressiva, a sua verdade. É com a sua erosão no labor que se ilumina o brilho baço e quente do sangue dentro do corpo, do carvão sobre o papel, do alcatrão da estrada escura da viagem. E não se gasta tal negrume de tanto olhar, pelo contrário, de tanto olhar nele fulgem centelhas e, com elas, vemos algo. Entre olhares, acontece um facto: uma obra que se funde com um espaço e que dele faz por sair.
Trata-se, portanto, de um acontecimento, pois é isso uma obra, um labor que produz resultados, um trabalho inclusive como Marx repensou e cujo conceito fábulas de cigarras e formigas servem para debater até hoje. Todavia, também no caso de Tiago Santos a obra não é apenas nem a labuta nem o que ela faz, o objeto desenho ou o objeto pintura. A obra é, sobretudo, o aroma que fica, o sabor/saber que permanece, entre olhares. Por isso é que olhar (contemplar devidamente) é trabalho, dá trabalho, produz experiência e obra.
Entre o papel e a tela, sem referir agora o espaço real, o olhar desdobra-se e hesita. Pode supor-se que, aqui, é o papel que se instaura como arena prioritária, embora haja telas em curso. Dúctil e absorvente, o papel é a superfície que melhor guarda marcas, por imperceptíveis que pareçam, permitindo que formas “raptadas” da vida se tornem “matéria comungada com o papel” (aqui adaptando expressões do próprio artista que, não se furtando ao uso das palavras, respeita a sua rigidez possível). No seu caso, entre pintura, desenho e escrita, por vezes as diferenças perdem importância na necessidade e poder expressivo das passagens, tornando fútil e artificial qualquer separação.
Repetem-se, pois, gestos sobre chão, papel ou tela. Repetem-se letras e nascem palavras, repetem-se palavras e nascem poemas. Também aqui é de uma poética que se trata, de um movimento tão metafórico quanto generativo, pois há um gesto, mais outro e depois outro ainda e produzem marcas. Mas não é a sua simples soma que conta, se bem que essa soma interesse pela necessidade produtiva, isto é, para fazer nascer formas, figuras, espaços de diferentes naturezas sugeridos no plano: resultados mais ou menos estáveis ou efémeros. De novo, o que conta mesmo é o que acontece entre gestos, entre traços, entre manchas, quando acontece. E quando acontece, suspendem-se gestos, traços e manchas, antes de voltar a essa lida. O que acontece é no intervalo. Entre tudo o que se passa, passa-se algo. Entre (tanto).
Daí a imensa importância do tempo, da sua irregular velocidade, ora voraz, ora muito lento, para nos podermos dar verdadeiramente conta do presente. No presente é que acontece o que acontece. “Há que ser paciente”, diz também Tiago.
Entre um antes e um depois, há sempre o atelier, o espaço entre. No estúdio não há relógios adequados, porque é o lugar onde o tempo pulsa com o corpo, simplesmente: os relógios acertam-se com um corpo que faz. “Lugar visceral por natureza”, escreve o artista, referindo-se ao seu carácter orgânico, semi-informe, eventualmente sujo. Arena orgânica, quando invadida (profanada?) por matérias, memórias, imagens fotográficas, nela os gestos pictóricos vão sagrando uma dissecação devoradora, uma digestão lenta que procura transformação e renovação de formas usando também processos de destruição (sobreposição, apagamento, rasura, erosão, uma vez e mais outra e outra), podendo deixar pelo caminho ruínas de passagem. Mais do que lugar, o atelier é extensão do corpo do artista, dos seus gestos, da sua vontade face à resistência do mundo que ali ecoa.
Para a pintora Marlene Dumas, também a imagem referente é uma carga pesada e ela debate-se com a sua história, afirmando num certo momento que a sua arte “is situated between the pornographic tendency to reveal everything and the erotic inclination to hide what it’s all about.”[2]Aceder e facultar acesso ao desejo é o que, no fundo, alimenta o processo do fazer e da sua partilha, obrigando a um ritual combinado de controle e liberdade, como sabem navios e marinheiros: resistir entre ondas para navegar com elas.
Entre si – independentemente de poderem sugerir interiores e paisagens, de haver entre espaços figuras fantasmáticas que não sabemos se chegam ou partem, se o espaço é único ou abre representações dentro de representações, ecrãs ou coisas materiais, se as matérias se degradam ou renascem alquimicamente, ou se o seu ‘filme’ avança em câmara lenta ou vai fastbackward (porque tudo está de passagem) – cada obra é separada das que a antecedem, num processo que evita a serialidade. É que esta implica algum determinismo e, pelo contrário, parece interessar a Tiago Santos privilegiar a manutenção da atenção permanente, da lucidez que instaura uma lógica de ‘quadro’ ou ‘aparição’, se bem que não deixe de haver, contudo, recorrências e afinidades, elos possíveis que, sem fechar narrativas, possibilitam nexos de entendimento entre si.
Entre os limites da construção e da ruína, talvez por esse labor assim se confundam, nos resultados finais, os tempos do passado e do futuro. Talvez por isso também pouco interessem, frequentemente, esses resultados, rapidamente tornados caducos e nunca finais na voragem da procura da comunhão certa de tudo na matéria, como Tiago afirma quando procura pisar a sua própria sombra, ciente dos passos de Kiefer, Pedro Saraiva ou João Jacinto e identicamente implicado na consciência de Yourcenar sobre a erosão do tempo e da sua lenta capacidade de modelação.
“You can’t TAKE a painting, you MAKE a painting”[3], diz de novo Marlene Dumas, sobre esse fazer laborioso, ao que Tiago acrescenta: “pintar é uma submissão extrema”.
Passo a passo, Robert Walser e Xavier De Maistre precisaram de calcorrear muito chão para perderem de vista o caminho ou as paredes do quarto fechado. Com ambos, recorda-se que toda a criação artística requer um estranho jogo interior que apaga ou integra limites impostos, fazendo deles matéria para horizontes mais amplos e abrindo o discurso a partir da linguagem, a narrativa a partir da figura ou vulto que a forma.
Aqui, no estúdio de Tiago Santos e no que dele, entretanto nos chega a esta outra sala, entre interior e exterior, entre tecto, paredes e chão, neste tempo suspenso entre realidades, é preciso deixar que o olhar caminhe, gesticule, labore, para pisarmos a arena do artista e experimentarmos a sua transformação: como no voo de pássaro dos antigos, conjugamos na mobilidade do olhar diferentes, senão mesmo impossíveis, pontos de vista, ou seja, visões; ou como numa máquina do tempo, na ficção científica, atravessamos datas e horas; ou ainda, como no tapete voador que Xerazade inventou num dos seus contos para iludir a morte, vemo-nos pisar outra história.
E, então, também o artista regressa de novo àquele “(…) espaço de 10m2…uma vez lá, espera ser deixado em paz pela consciência para poder sonhar de uma maneira muito distante e, ao mesmo tempo próxima, de qualquer um de nós.”[4]
Isabel Sabino
28 de novembro de 2019
[1] “Blocos de apontamentos 1942-1948” [1942]. Peregrino e estrangeiro. Lisboa: Livros do Brasil, 1990, p. 147.
[2]DUMAS, Marlene. “Pornographic tendency” [1986]. Em Sweet Nothings. Notes and texts. London: Tate Publishing, 2015, p. 33.
[3] Marlene Dumas. “Miss Interpreted” [1992]. Em Sweet Nothings. Notes and texts. London: Tate Publishing, 2015, p. 64.
[4]Tiago Santos, excerto de um dos seus relatórios para as disciplinas finais de Pintura V e VI, FBAUL, 2018-19. Várias expressões entre aspas usadas no presente texto, quando não identificadas, são também oriundas desses relatórios.
Curso Técnicas e Metodologias de Desenho no séc. xıx – Modelo de Nu
Jan 26 20203 > 11 FEV 2020 | SALA 3.69
Entre 2 de Dezembro de 2019 a 23 de Janeiro de 2020 estão abertas as inscrições para o Curso Técnicas e Metodologias de Desenho no séc. XIX – Modelo de Nu, a realizar na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.
Coordenador: Artur Ramos
Formador: Nelson Ferreira
Horário
3 a 11 de Fevereiro de 2020 (dias 3, 4, 5, 6, 7, 10 e 11), das 19h00 às 21h45
Sala: 3.69
PROGRAMA (PDF)
INSCRIÇÔES ENCERRADAS
Que Cores Pintaram o Teatro Romano — modelos e ensaios da Faculdade de Belas-Artes de Lisboa
Jan 10 202012 NOVEMBRO > 26 JANEIRO 2020 I MUSEU DE LISBOA, TEATRO ROMANO
Inaugura no dia 12 de novembro , às 18h00, no Museu de Lisboa, Teatro Romano, a exposição “Que Cores Pintaram o Teatro Romano — modelos e ensaios da Faculdade de Belas-Artes de Lisboa”.
Imaginar hoje como seria o teatro romano há 2.000 anos, aquando da sua construção, é um exercício difícil de realizar. A maqueta em exposição no museu, assim como as plantas de reconstituição que a investigação logrou obter toram esta questão mais fácil de perceber. Falta, no entanto, conhecer os detalhes decorativos e as cores que os vários elementos arquitetónicos teriam. Em colaboração com a Faculdade de Belas-Artes de Lisboa, este foi o trabalho que alguns dos alunos ensaiaram: reconstituir a forma e a cor de alguns dos elementos arquitetónicos que ornamentavam o teatro romano de Felicitas Iulia Olisipo.
a vida é um emaranhado de nós
Jan 02 202023 NOVEMBRO > 11 JANEIRO I ZET GALLERY
Inaugura no dia 23 de novembro, às 16h00, na Zet Gallery, em Braga, a exposição “A VIDA É UM EMARANHADO DE NÓS”, com visit a guiada e performativa.
A exposição estará patente até 11 de janeiro de 2020.
Trata-se de uma exposição coletiva com obras selecionadas de artistas que participaram nas GAB-A (Galerias Abertas das Belas-Artes).
Joana Meneses Fernandes (coordenadora do projeto Braga Cultura 2030), Miguel Bandeira Duarte (diretor do Museu Nogueira da Silva), Luís Coquenão (artista visual) e Helena Mendes Pereira (curadora da zet gallery) formam o júri que selecionou, a partir dos participantes na edição de 2019 das Galerias Abertas da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, um grupo de 13 autores.
Alberto Rodrigues Marques, Ana Lúcia Ventura, Ana Sofia Sá, André Costa, Carlos Filipe Cavaleiro, Francisco Lourenço, Hugo Castilho, Lorenzo Bordonaro, Lígia Fernandes, Joana Lapin, Joana Paiva Sequeira, Pablo Quiroga e Segismundo ocupam o espaço expográfico, que é intersetado visual e concetualmente a partir de distintos apelos emocionais, evidenciando o cruzamento disciplinar dos trabalhos.
lll Colóquio Expressão Múltipla: Teoria e Prática do Desenho 2019
Dez 16 201918 > 19 DEZEMBRO I GRANDE AUDITÓRIO
Este congresso visa proporcionar uma visão abrangente sobre a investigação na área do Desenho. É dirigido sobretudo aos estudiosos que procuram desenvolver dissertações e teses na área do Desenho ou noutras que possam de alguma forma ampliar as discussões relativas a esta área de conhecimento. Pretende-se a disseminação das diversas experiências, metodologias e resultados.
Coordenação do Colóquio
Artur Ramos – Universidade de Lisboa
Comissão Organizadora/editorial
Américo Marcelino – Universidade de Lisboa
Artur Ramos – Universidade de Lisboa
Beatriz Manteigas – Universidade de Lisboa
Henrique Costa – Universidade de Lisboa
Comissão Científica
Alexandre Guedes - Universidade Federal Rural do Rio de Janeiro
Américo Marcelino – Universidade de Lisboa
António Costa Valente – Universidade de Aveiro
Armando Jorge Caseirão – Universidade de Lisboa
Artur Ramos – Universidade de Lisboa
Daniel Bilbao Peña – Universidade de Sevilha
Henrique Costa – Universidade de Lisboa
José Maria da Silva Lopes – Universidade do Porto
Luís Herberto – Universidade da Beira Interior
Mário Bismarck – Universidade do Porto
Miguel Ángel Bastante Recuerda – Universidade de Sevilha
Miguel Bandeira Duarte – Universidade do Minho
Rita Carvalho – Universidade Lusófona de Humanidades e Tecnologias
Ricardo Leite – Universidade do Porto
Simón Arrebola-Parras – Universidade de Sevilha
Todos os resumos e artigos serão submetidos a uma revisão Peer Review. Os resumos aprovados serão impressos na ocasião da conferência e os textos completos serão publicados online no Repositório da Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa.
Submissão de Comunicações
1ª Fase – Envio de resumos provisórios para o e-mail expressaomultipla@gmail.com.
Até 15 novembro, data limite para o envio do Resumo.
Até 30 novembro, notificação de pré-aceitação ou recusa
Nesta primeira fase cada comunicação é apresentada através de um RESUMO de uma ou duas páginas (máx. 2.000 carateres) que pode incluir uma ou duas ilustrações.
2ª Fase – Envio dos Artigos
Até 19 de janeiro de 2020, envio do artigo para publicação no repositório
Apreciação por ‘double blind review’ ou ‘arbitragem cega.’
Cada artigo recebido pelo secretariado é reenviado, sem referência ao autor, a dois, ou mais, dos membros da Comissão Científica, garantindo-se no processo o anonimato de ambas as partes (double-blind). No procedimento privilegia-se a distância geográfica entre a origem de autores e a dos revisores científicos.
Formato do Artigo
Cada comunicação final tem cinco páginas (máx. 11.000 caracteres sem contar com os espaços referentes ao corpo do texto, sem contar com caracteres do título, resumo, palavras-chave, legendas e bibliografia).
O formato do artigo, com as margens, tipos de letra e regras de citação é o abaixo indicado:
TÍTULO
(título em fonte Times New Roman, tamanho 14, maiúsculas, negrito, centralizado)
Resumo
O resumo deve ter no máximo 10 linhas, fonte Times New Roman, tamanho 11, espaçamento simples, parágrafo justificado.
Abstract
O abstract deve ser em inglês, fonte Times New Roman, tamanho 11, espaçamento simples, parágrafo justificado.
Subtítulos (negrito)
Fonte Times New Roman, tamanho 12, espaçamento 1,5. Parágrafo justificado à esquerda. As referências para citações diretas (Autor, ano, pág.) e indiretas (Autor, ano), gráficos e imagens, devem obedecer ao padrão APA.
Referências Bibliográficas
As referências bibliográficas devem seguir o Modelo APA. Fonte Times New Roman, tamanho 12, espaçamento simples. Inserir um espaço simples entre as referências.
![E_2019_ENCONTROPATRIMONIO_2](https://www.belasartes.ulisboa.pt/wp-content/uploads/2019/09/E_2019_ENCONTROPATRIMONIO_2.jpg)
EXPOSIÇÃO a ilustração na ulisboa
Dez 16 201928 NOVEMBRO > 20 DEZEMBRO | GALERIA BELAS-ARTES
2ª a 6ª feira, 11h00-19h00 / sábado, 14h00-17h00
No âmbito do 2.º Encontro A Universidade de Lisboa e o Património, apresenta-se uma exposição que pretende unir as coleções de várias unidades orgânicas desta instituição de Ensino Superior.
Aqui encontramos a Ilustração na sua plenitude, como modelo ou exercício de aprendizagem, ultrapassando a visão tradicional do seu conceito bidimensional, que ganha uma nova tridimensionalidade com um caráter absolutamente pedagógico.
Esta pequena recolha que agora apresentamos demonstra a potencialidade da ligação entre as coleções que constituem o Património da ULisboa, refletindo a necessidade da adoção de uma estratégia para o património que ligue as várias unidades orgânicas em torno de um eixo comum para a defesa da sua herança partilhada.
Este cruzamento inesperado pretende fomentar novas pontes de ligação entre as diferentes escolas e os seus museus, como o objetivo de incentivar novos projetos transversais e transdisciplinares entre os seus investigadores.
Curadoria:
Alice Nogueira Alves
Ana Mafalda Cardeira
Filipa Soares
Maria Teresa Sabido
Virgínia Glória Nascimento
LAGOA HENRIQUES (1923 – 2009)
Da coleção à ilustração
UMA EVOCAÇÃO DO ATELIER DE LAGOA HENRIQUES
O estudo do processo criativo de um artista do século XX tem forçosamente de partir do reconhecimento das suas fontes artísticas e do seu universo de referências na Natureza e nas Culturas do Mundo por onde viajou. Ao apresentarmos uma seleção de fotos do atelier, realizadas algumas delas em vida do artista ou pouco depois do seu falecimento, antes da desmontagem e transferência do espólio, pretendemos dar conta dessas múltiplas «lembranças» materializadas nos objetos colecionados.
Assim, às conchas (náutilus e búzios) e aos barros etnográficos, juntam-se as máscaras (africanas e japonesas), as lucernas, os leques (chineses e japoneses), instrumentos musicais eruditos e populares, um tinteiro ou a estatuária antiga em madeira (europeia e asiática). Nesta destacam-se dois Cristos, um da Ressureição, seiscentista, e um fragmento de um Crucificado que Lagoa Henriques considerava ser da mão de Miguel Ângelo, com base numa análise estilística e na referência documental a um Cristo desse autor existente numa capela de um antigo Convento lisboeta.
Curadoria:
Maria Teresa Sabido
Virgínia Glória Nascimento
Alice Nogueira Alves
Com a colaboração de
Fernando António Baptista Pereira
Maria João Gamito
27 > 30 NOVEMBRO 2019 | Faculdade de Belas-Artes
27 nov | Sessão de Abertura | Anfiteatro Manuel Valadares | Museu de História Natural e da Ciência (entrada pelo átrio principal do Museu)
28 – 30 nov | Apresentação das comunicações, pósteres e workshops | Grande Auditório | FBAUL
Apresentação
Na sequência da edição de 2018, realiza-se entre os dias 27 e 30 de novembro de 2019 a segunda edição do Encontro – A Universidade de Lisboa e o Património, organizado pela Faculdade de Belas-Artes, em conjunto com a Reitoria e com a colaboração das Escolas da ULisboa.
Neste encontro é pretendida uma abordagem global ao notável património cultural e natural da ULisboa, nas suas múltiplas vertentes – científica, artística, histórica e arquitetónica – reunindo património do saber e da ciência, representado pelos seus edifícios, museus, bibliotecas, arquivos, laboratórios, jardins e coleções, que são identificados como fontes de memória, compreensão, identidade, diálogo, coesão e criatividade.
A importância de iniciativas desta natureza fundamenta-se nas diretrizes internacionais, segundo as quais cabe às instituições a responsabilidade da preservação dos seus elementos patrimoniais e da sua divulgação. Este papel deve ser acentuado no contexto de uma instituição de ensino superior, considerada como a detentora de todos os testemunhos materiais e imateriais da evolução do ensino nacional e europeu nos últimos séculos.
O debate entre as várias escolas da ULisboa visa a promoção do cruzamento dos diversos domínios do conhecimento e do saber, desenvolvidos nas suas Faculdades, Institutos e Centros de Investigação, que trabalham as mais variadas áreas, desde as Artes e Humanidades, às Ciências e Tecnologias. Tem também como objetivo estimular a criação de novas sinergias resultantes de uma visão transdisciplinar no seio da ULisboa
Este encontro pretende ainda reforçar a educação da comunidade académica para a importância do seu património único, e fomentar a contribuição de todos para o estudo e estabelecimento de estratégias de salvaguarda, preservação, valorização e divulgação deste importante recurso para a construção de uma identidade comum.
Linhas temáticas
- Ilustração literária, científica, arqueológica, artística e paisagística
- Estudo, Dinamização e Divulgação do Património e das Coleções da ULisboa
- Estratégias na ULisboa para a Valorização, Preservação, Conservação e Restauro do Património
O primeiro dia é dedicado ao Património Cultural da Universidade de Lisboa e o segundo ao Património Cultural na Universidade de Lisboa, onde se destacam projetos sobre património cultural realizados pelas escolas da Universidade.
PROGRAMA (PDF)
LIVRO DE RESUMOS (PDF)
Comissão Executiva e Organizadora
Alice Nogueira Alves (FBA)
Ana Bailão (FBA)
Ana Mafalda Cardeira (FBA)
Cristina Tavares (FBA)
Eduardo Brito-Henriques (IGOT)
Eduardo Duarte (FBA)
Fernando António Baptista Pereira (FBA)
Filipa Soares (IST)
João Pais (FBA)
João Paulo Martins (FA)
Jorge dos Reis (FBA)
Luís Jorge Gonçalves (FBA)
Maria Isabel Dias (IST-CTN)
Maria Teresa Sabido (FBA)
Mariana Diniz (FL)
Marta Frade (FBA)
Marta Manso (FBA)
Marta Lourenço (MUHNAC)
Palmira Siva (IST)
Pedro Arsénio (ISA)
Odete Palaré (FBA)
Virgínia Glória Nascimento (FBA)
Keynote Speakers
Artur Ramos (FBA)
Fernando António Baptista Pereira (FBA)
Maria Isabel Dias (IST-CTN)
Marta Lourenço (MUHNAC)
Comissão Científica
António Vaz Carneiro (FM)
Artur Ramos (FBA)
Carlos Fabião (FL)
Eduardo Brito-Henriques (IGOT)
Fernando António Baptista Pereira (FBA)
Henrique Leitão (FC)
Isabel Dias (IST-CTN)
João Paulo Martins (FA)
Luísa Arruda (FBA)
Maria João Mogarro (IE)
Maria João Neto (FL)
Marta Lourenço (MUNHAC)
Susana Henriques (FM)
Vítor Serrão (FL-ANBA)
Comissão de Honra
Professor Doutor Marcelo Rebelo de Sousa | Presidente da República
Professor Doutor António Cruz Serra | Reitor da Universidade de Lisboa
Professor Doutor José Manuel Pinto-Paixão |Vice-Reitor da Universidade de Lisboa
Professor Doutor António Feijó | Pró-Reitor da Universidade de Lisboa
Dra. Catarina Vaz Pinto | Vereadora da Cultura da Câmara Municipal de Lisboa
Professor Doutor Carlos da Costa Salema | Presidente da Academia das Ciências
Doutora Emília Ferreira| Diretora do Museu Nacional de Arte Contemporânea
Almirante Francisco Vidal Abreu | Presidente da Academia de Marinha
Professor Doutor Guilherme d’Oliveira Martins | Administrador da Fundação Calouste Gulbenkian
Professor Catedrático Luís Aires Barros | Presidente da Sociedade de Geografia
Professora Doutora Manuela de Matos Fernandes | Presidente da Academia Portuguesa da História
Professora Doutora Maria Calado |Presidente do Centro Nacional de Cultura
Doutora Natália Correia Guedes | Presidente da Academia Nacional de Belas-Artes
BoCA — Os Espacialistas
Dez 09 2019BoCA 2019 / Gonçalo M. Tavares & Os Espacialistas, “Os Animais e o Dinheiro”, Teatro da Trindade © Bruno Simão
13 DEZEMBRO > 18H00 I SALA 4.15
A BoCA – Biennial of Contemporary Arts, bienal de arte contemporânea, realiza-se nas cidades de Lisboa e Porto, com expansão das suas atividades a outras cidades portuguesas e estrangeiras. A segunda edição da BoCA decorreu entre 15 de março e 30 de abril de 2019, simultaneamente, nas cidades de Lisboa, Porto e Braga.
A BoCA propõe um conceito colaborativo inédito entre instituições culturais com uma programação transversal entre campos artísticos; a sua programação contempla o desafio a artistas portugueses e estrangeiros para criarem objectos artísticos em novos contextos do seu corpo de trabalho e em novos espaços.
Além do evento principal, a BoCA tem actividades paralelas e uma programação continuada. Por um lado, a circulação nacional e internacional de obras e ciclos de programação que expandem a BoCA a outras cidades, por outro lado, o projecto educativo com actividades como: a BoCA Summer School (que acontece todos os anos e que convida vários artistas portugueses e estrangeiros a dirigirem workshops) e a BoCA de… (um ciclo de masterclasses de artistas que participaram na BoCA para falarem do seu trabalho e do projecto específico que criaram em escolas e universidades).
Direção artística e programação: John Romão
OS ESPACIALISTAS
Nova criação / Performance / BoCA 2019
Os Espacialistas é um projeto laboratorial de investigação teórica e prática das ligações entre Arte e Arquitetura com início de atividade em 2008. Substituem o lápis pela máquina fotográfica, enquanto dispositivo de desenho, de pensamento, de perceção e de diagnóstico do espaço natural e construído, cujas ações são reguladas pelo Diário do Espacialista e auxiliadas pelo “Kit Espacialista Por/tátil” que transportam consigo. Entre os trabalhos realizados destacam-se: projetos de arquitetura, exposições de fotografia, vídeos, instalações, espaços cénicos, performances, colaborações literárias, ilustrações fotográficas, oficinas, seminários e publicações.
Apresentados em locais tão diversos como o Museu da Electricidade (2008), Galeria Lagar de Azeite (2008), Galeria de Arte Contemporânea Paulo Amaro (2008), Ordem dos Arquitetos – OASRS (2008), Feira de Arte Internacional de Lisboa (2008), Laboratório de Atividades Criativas (2009), Centro Cultural das Caldas da Rainha (2009), Centro Cultural de Belém (2009/2011), Coreto do Jardim da Estrela (2009), Jardim da Torre de Belém (2009), Universidade Lusíada de Lisboa (2009), Centro Nacional de Cultura (2009), Auditório dos Oceanos (2010), Teatro da Trindade (2010), Universidade de Belas-Artes do Porto (2010), Teatro do Campo Alegre (2010), São Luiz Teatro Municipal (2010/2011), Red Bull House Of Art (2011), Circuito Aberto de Arte Pública de Paredes (2012), Faculdade de Arquitectura da Universidade do Porto – FAUP (2013), 17ª Bienal de Cerveira (2013), livro “Atlas do Corpo e da Imaginação” de Gonçalo M. Tavares, Fundação Calouste Gulbenkian (2014/2015), Fábrica da Moagem de Tomar (2014), “Post Architectural Voices” (Espaço Mira, Porto, 2015). Projecto em Exposição: “Os Espacialistas no Palácio” (Março/Abril 2016), “LAR – Laboratório de Arte e Arquitectura” na Universidade Lusíada de Lisboa (2016/—-) e Loja do Espacialista no Centro Cultural de Belém ( 2017/ —-).
um monumento para o lousal — sessão pública de inauguração
Dez 02 2019
07 DEZEMBRO > 15H00 I LOUSAL
Durante o ano de 2018, com o suporte do Município de Grândola, desenvolveu-se na aldeia mineira do Lousal um projeto comunitário de arte pública em homenagem ao movimento operário mineiro. O processo participativo resultou na conceção de uma intervenção escultórica para ser implantada na povoação.
O objetivo deste projeto foi pensar, testar e concretizar um modelo de criação artística partilhado entre a comunidade do Lousal e uma equipa de mediação liderada pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa, à qual se associaram outros centros de investigação científica (CIEBA/ FBAUL, CEACT/UAL, VICARTE/FBAUL, IHA – NOVA FCSH, DINAMIA’CET-IUL, CICS-NOVA). Um modelo de trabalho que permitiu o envolvimento de todos na discussão de propostas em torno de uma imagem de futuro para o Lousal, potenciando a tomada de decisões coletivas, a apropriação e o usufruto pleno do espaço público. A apresentação pública da obra será no dia 7 de dezembro de 2019, pelas 15 horas.
momentum no âmbito do inshadow 2019 — Lisbon Screendance Festival
Dez 01 201922 NOVEMBRO > 18 DEZEMBRO I CISTERNA BELAS-ARTES
MOMENTUM
EXHIBITIONS / INSTALLATIONS
ENTRADA LIVRE // FREE ENTRANCE
21 NOV – 18 DEZ
Segunda, Quarta, Sexta | 15h às 19h
CISTERNA FBAUL
O mundo afigura-se na sombra, entre o visível e o subjectivo, no interior. Aproximar trabalhos de artistas que antes não comunicavam é um exercício intuitivo, revelador de um processo de leitura múltipla, que impulsiona narrativas.
Colocar trabalhos artísticos em diálogo é por si só um desafio exigente, responsável, que permite a correlação directa entre as imagens e as respectivas texturas, escalas, perspetivas. Conseguimos experienciar através da percepção do corpo.
De 21 Novembro a 18 Dezembro, o Festival InShadow regressa à Faculdade de Belas- Artes da Universidade de Lisboa, estreia-se na Cisterna, com o cruzamento entre tecnologia, imagem/som e movimento onde se abre uma janela caleidoscópica em formato de vídeo-instalação para a celebração do centenário da obra coreográfica de Merce Cunningham, com o apoio da Merce Cunningham Trust e da REDIV - Red Iberoamericana de Videodanza. Um loop-vídeo com mais de 7 horas de material cinematográfico raro, algures entre o experimental, o documental e o performático.
Numa mesma relação de vídeo-instalação: Border de Sofia Ferreira Marques, visa questionar os mecanismos políticos e sociais do corpo, criando uma imagem-objecto que reflecte sobre a interferência não-linear de escala e visão. Rafael Raposo Pires apresenta Espaço | Marca numa reflexão do acto de ocupação de terrenos e a sua subsequente marcação que visa explorar a relação entre estruturas verticais inseridas no espaço horizontal. O fotógrafo João Pedro Rodrigues apresenta a exposição In*Outside, uma análise fotográfica do movimento dentro e fora de fronteiras do espectáculo de dança “3,50×2,70″da CiM – Companhia de Dança.
No dia de inauguração são ainda apresentadas a instalação-interactiva VR - Dance in Virtual Reality do colectivo BlackBox Lab que visa desafiar os espectadores a experimentar uma forma imersiva de perspectivas alternativas de um processo de criação de dança, e Inter Faces, uma performance com uma aplicação em realidade aumentada com geoposicionamento, de Régis Costa de Oliveira.
O Festival InShadow revela o melhor da criação artística transdisciplinar que traduz a força da combinação entre corpo, dança e movimento, nas áreas do vídeo-dança, documentário, performance, exposições e instalações, um lugar de encontros imprevisíveis entre o cinema e a dança.
O tema da sombra estende-se por Lisboa na celebração da 11ª edição, conta com mais de 150 artistas, 37 eventos, 3 performances em estreia absoluta, 63 filmes, 11 instalações e exposições, workshops e conversas em vários espaços: Cinemateca Portuguesa, Cinemateca Júnior, Teatro do Bairro, Museu da Marioneta, Espaço Santa Catarina, Espaço Cultural das Mercês, Appleton Square, Ler Devagar, Galeria Otoco, Fnac do Chiado, ETIC e diversas outras parcerias.
O corpo inquieta-se, e volta a imaginar-se na sombra.
Pedro Sena Nunes e Ana Rita Barata
Centenário Merce Cunningham
Trust Foundation e REDIV
FILMES
Border
Sofia Marques Ferreira
VÍDEO-INSTALAÇÃO
IN*OUTSIDE
João Pedro Rodrigues
EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA
Espaço | Marca
Rafael Raposo Pires
VÍDEO-INSTALAÇÃO
VR – Dance in Virtual Reality
BlackBox Lab
INSTALAÇÃO INTERACTIVA
Inter Faces
Régis Costa de Oliveira
PERFORMANCE
Alunos FBAUL: Rafael Raposo Pires e Régis Costa de Oliveira
8 > 14 DE NOVEMBRO – MOSTRA DE OBRAS DE ALUNOS DA FBA NA REITORIA DA ULISBOA
Nov 14 20198 > 14 DE NOVEMBRO | ÁTRIO DA REITORIA DA UNIVERSIDADE DE LISBOA
No âmbito da 1ª Mostra Cultural, organizada pela Reitoria da Universidade de Lisboa, e durante uma semana, no Átrio da Reitoria da Universidade de Lisboa estarão expostas obras de alunos das Belas-Artes da Universidade de Lisboa.
+info
https://mostracultural.ulisboa.pt/evento-mostra-de-arte.php
Forma
Todos nós realizamos imagens mentais, mas a possibilidade as formalizar, de as tornar reais, de as dialogar e comunicar no lugar de encontro entre o pensamento e a matéria está apenas ao alcance de alguns. A esses chamamos-lhes Escultores. Escultura é a capacidade de passar para a matéria aquilo que todos podem pensar, imaginar ou sonhar, mas só alguns materializar. Em Escultura a ideia determina-se a partir do momento em que se resolve, ou encarna na matéria com toda a carga de limitações que esta comporta. Em Escultura a ideia consuma-se quando esta se define como forma.
A forma pode ser entendida como estrutura ou como disposição das partes. Através dela observamos os elementos em relação a conceitos como simetria, ordem e proporção, aspectos racionais e objectiváveis que podem ser expressos em termos aritméticos. São formas que resultam do desenvolvimento de cânones, a expressão matemática de um conceito de figura humana.
A forma também pode ser tão somente aparência, a realidade que envolve o conteúdo. A forma torna-se então sentido, significado e elemento expressivo. Estas são as formas de expressão puramente formal, em que a fruição se pode obrigar a ser quase táctil.
É através da mão do Escultor que a forma encontra a sua materialidade; forma e matéria, sujeito e objecto, exterior e interior elaborando-se mutuamente. E se à forma é necessário um suporte em que se cumpra, não podemos considerar a matéria como um agente mas como uma mediação.
Mediação é também aquela que é empreendida pelo observador. A forma para se completar, depois de feita, tem de ser mostrada. Só assim é que se ela se conclui. E em cada exposição, em cada mostra, aquilo que se vê não é mais do que os encontros entre o pensamento e a matéria que estão apenas ao alcance de alguns. Neste caso Escultores.
João Castro Silva
Professor Auxiliar Escultor
Alien Magazine: identidade, design e política
Nov 01 201920 NOVEMBRO > 14H00 I SALA 4.15
Alien Magazine: identidade, design e política
Lisa Moura
20 de Novembro, sala 415, 14h
Desde a sua origem, a palavra “alien” adquiriu múltiplos significados, desde a terminologia legal, que se serve da palavra para descrever as pessoas que estão fora dos seus territórios nativos, sendo sinónimo de conceitos como estrangeiro ou imigrante, às criaturas às vezes fofas, às vezes monstruosas retratadas pela ficção científica.
A revista Alien explora, distorce e expande os limites da compreensão do que é um alien. Numa série de ensaios visuais/escritos, entrevistas ou relatórios de investigação, convida os cidadãos, independentemente da sua forma, tamanho, cor, profissão, partido político, credo, crença, nação, planeta a repensar as normas e os rótulos sociais.
Numa sociedade por vezes alienante, a Alien Magazine oferece-se como um porto seguro para aqueles que sentem que não o têm.
Podes — 1º Festival de Podcasts
Nov 01 2019
09 NOVEMBRO I CHIADO
Podes é o primeiro festival de podcasts em Portugal e vai acontecer a 9 de Novembro de 2019 em diversos locais no Chiado, em Lisboa, sendo um deles a Faculdade de Belas-Artes, no sábado dia 9 de novembro nos seguintes espaços:
Auditório Lagoa Henriques – 10h00/ 18h00h
Grande Auditório – 18h00/-20h30
Salas 3.63, 4.05, 4.06, 4.08 e 4.09
Nesse dia vamos celebrar os podcasts e os podcasters em Portugal, com workshops, painéis, episódios de podcasts ao vivo e uma entrega de prémios.
Este site é o melhor sítio para ficar actualizado, escolher o teu programa para o festival e saber como tudo funciona. Visita regularmente para novidades e surpresas!
http://www.facebook.com/podcastsportugal
Lançamento do Nº 20 da Revista ARTETEORIA_21 Nov
Nov 01 201921 NOV | CINEMATECA
No próximo dia 21 de novembro, pelas 18h30, realiza-se o lançamento do nº 20 da Revista ARTETEORIA, que decorrerá na Cinemateca Portuguesa, na Rua Barata Salgueiro, nº 39, em Lisboa.
1º SEMINÁRIO DAS IDENTIDADES E HISTÓRIAS – 12 DE NOVEMBRO
Nov 01 201912 DE NOVEMBRO | GRANDE AUDITÓRIO
No próximo dia 12 de Novembro de 2019, realizar-se-á o 1º SEMINÁRIO IDENTIDADES E HISTÓRIAS, cujo tema contempla as artes e histórias que formam e influenciam a constituição da identidade dos países: Portugal, Brasil e Marrocos.
As inscrições são gratuitas e realizadas no próprio dia, conforme programação de divulgação e no final serão emitidos certificados de participação com a carga horária de 7h.
Programação:
10:00: Inscrições e abertura do evento
10:30: Azulejo como fusão de culturas
Palestrante: Luís Jorge Rodrigues Gonçalves
11:30: Azulejo alicatado: tradição marroquina que chegou a Portugal
Palestrantes: Hassane Ait Faraji e Adriana Oliveira
12:30: almoço
14:00: Forte do Iguatemi: uma fortificação colonial em Mato Grosso do Sul -Brasil
Palestrante: Maria Margareth Escobar R. Lima
15:00: A arte da Renda de Bilros do nordeste brasileiro: sustentabilidade social e cultural
Palestrante: Francisco Naguilo Modesto
16:00: debate
17:00: encerramento e entrega de certificados
Realização: CIEBA | FBAUL | UFMS (Universidade Federal de Mato Grosso do Sul)
as imagens e a autonomia dos seus conflitos
Nov 01 201905 NOVEMBRO > 14H00 I GRANDE AUDITÓRIO
Os colóquios e a publicação do livro de ensaios com a designação As imagens e a autonomia dos seus conflitos são um “regresso” ao debate sobre a origem das imagens, a sua natureza ambivalente, a multiplicidade das suas funções, as suas novas tipologias, a vertigem da respectiva disseminação, mas também a exigência de se efectuar uma reflexão alargada sobre algo em que se está ininterruptamente imerso: fluxismo e imagem.
No colóquio de Paris (Cité Universitaire), a 25 de setembro, e no colóquio de Lisboa (FBAUL), a 5 de novembro, registar-se-á a participação de um conjunto de autores com competências específicas no domínio da imagem (nomeadamente da FBAUL, da Univ. Panthéon-Sorbonne, Univ. Paris 8, da Univ. de Lille, Univ. Granada, e outros lugares de indagação sobre a origem e o sentido das imagens), motivos pelos quais vos convido a inscrever e participar neste projecto.
Durante o Colóquio a realizar na FBAUL será apresentado o livro de ensaios com o título e os autores indicados no Cartaz/ Programa aqui anexado. Segue também uma ficha de inscrição.
INSCRIÇÕES
Apesar de gratuita a inscrição é obrigatória.
Para o efeito solicita-se o preenchimento da FICHA DE INSCRIÇÃO e o envio da mesma para investigar.artes@gmail.com
Ara Pacis: a arte entre o sagrado e o profano — conferência por manuel gantes
Nov 01 201919 NOVEMBRO > 17H00 I ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI ROMA
Conferência por Manuel Gantes
A arte mantém-se numa permanente tensão entre o sagrado e o profano.
Propõe-se uma reflexão sobre o lugar da arte no mundo na perspectiva de um pintor e da sua experiência.
Segundo alguns autores a arte começou por ser uma forma de magia, ter-se-á convertido numa forma de religião e, finalmente em mercado?
A arte é o sagrado melancólico do mundo e a sua irrisão também é vaidade de vaidades.
Ara Pacis: o sagrado transformado em profano? Depende das perspectivas de poder ou de entendimento da arte como um todo? Encontram-se, em cavernas da Patagónia, mãos pintadas idênticas, no processo de criação (stencil), às de Altamira: A inteligência da arte. O artista enquanto pré-historiador?
O que interessa de facto é a relação entre o espectador e o pintado, há uma fundamental experiência do tempo: lembra-te que és mortal, sem arte não há vida real, tudo são ilusões. Por isso a arte interessa como uma forma de reflexão sobre o nada que resta e o nada que resta é a arte.
A ideia de morte da pintura só pode ter valor programático, não é inocente nem factual no sentido de necessária. Tal como, independentemente de ser antidoutrinária, a crítica do poder é civilizadamente ignorada e o culto do espúrio exaltado.
Palavras-chave: Arte, desenho, sagrado, profano, tempo.
Manuel Gantes, Lisboa, 2019
Catálogo CONTEMPORARY INTERVENTIONS IN MEMORY: DIALOGUES AND SILENCE
Out 30 201925 SETEMBRO > 04 OUTUBRO I SALA 2.30
Inaugurou no dia 25 de setembro, às 18h00, na sala 2.30, a exposição Contemporary Interventions in Memory: Dialogues and Silence. A exposição ficou patente até 4 de outubro.
Composta por trabalhos em diferentes linguagens artísticas, a exposição Contemporary Interventions in Memory: Dialogues and Silence abre ao público no dia 25 de Setembro na Faculdade de Belas- Artes da Universidade de Lisboa.
Com curadoria de Catarina Marques da Silva e Tatiana Engelbrecht, a mostra acontece no âmbito do colóquio internacional Intervir na Memória. Restauros de época moderna em monumentos funerários medievais (séc. XV-XX), organizado pelo Instituto de Estudos Medievais e o Instituto de História da Arte da Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa, juntamente com o Centro de Investigação e Estudos em Belas-Artes da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, que se realiza entre 25 e 26 de Setembro.
Contemporary Interventions in Memory: Dialogues and Silence é resultado de um Call for Works lançado aos alunos da Faculdade de Belas-Artes (pintura, escultura, arte multimédia e fotografia) pela Comissão Científica e Organizadora do colóquio, decorrendo de uma proposta até hoje inédita, que pretende estabelecer uma ponte ideal entre o Ensino e a Investigação, entre especialistas e artistas em formação, entre a Academia e a Arte. A exposição reúne instalações, pinturas e fotografias de Ana Galvão, Ânia Pais, Bárbara Jasmins, Joana Sequeira, Liliana Ferreira, Manuel Ferreira, Ruben Lança e Salomé Lopes que dialogam entre si e propõem uma abordagem contemporânea para o tema do colóquio, buscando estimular a reflexão sobre a arte tumular de época medieval e seu legado enquanto património artístico.
“O objetivo da exposição é prolongar o debate em torno da relevância do património tumular medieval e do impacto das intervenções a que este vem sendo submetido ao longo do tempo”, explica Catarina Marques da Silva. “São obras provocativas, que instigam à reflexão sobre temas como finitude, eternidade, memória, abstração e materialidade.